คำจำกัดความของคำว่าตลกในวรรณคดี คุณสมบัติของประเภทตลกชั้นสูง

ประวัติศาสตร์ตลก. ตลกที่พัฒนามาจากลัทธิพิธีกรรมที่มีลักษณะจริงจังและเคร่งขรึม คำภาษากรีก kshYumpt มีรากศัพท์เดียวกันกับคำว่า kshmmz ซึ่งแปลว่าหมู่บ้าน ดังนั้นเราจึงต้องสันนิษฐานว่าเพลงตลก - คอเมดี้เหล่านี้ - ปรากฏในหมู่บ้าน และแท้จริงแล้วนักเขียนชาวกรีกมีข้อบ่งชี้ว่าพื้นฐานของงานประเภทนี้เรียกว่า mimes (miYumpt, การเลียนแบบ) เกิดขึ้นในหมู่บ้าน ความหมายทางนิรุกติศาสตร์ของคำนี้ยังบ่งบอกถึงแหล่งที่มาของเนื้อหาสำหรับละครใบ้ด้วย หากโศกนาฏกรรมยืมเนื้อหามาจากตำนานเกี่ยวกับ Dionysus เทพเจ้าและวีรบุรุษเช่น จากโลกแห่งจินตนาการ แล้วละครใบ้ก็เอาเนื้อหานี้มาจาก ชีวิตประจำวัน- มีการเล่นละครใบ้ในช่วงเทศกาลเฉลิมฉลองซึ่งอุทิศให้กับช่วงเวลาใดช่วงหนึ่งของปี และเกี่ยวข้องกับการหว่าน การเก็บเกี่ยว การเก็บเกี่ยวองุ่น ฯลฯ

เพลงประจำวันทั้งหมดนี้เป็นการด้นสดที่มีเนื้อหาตลกขบขันและเสียดสี โดยมีลักษณะของหัวข้อประจำวัน เพลง dicharic เดียวกันคือ มีนักร้องสองคนเป็นที่รู้จักของชาวโรมันภายใต้ชื่อ atellan และ fescennik เนื้อหาของเพลงเหล่านี้มีความผันแปร แต่ถึงแม้จะมีความแปรปรวนนี้ เพลงเหล่านั้นก็มีรูปแบบที่แน่นอนและประกอบขึ้นเป็นเพลงทั้งหมด ซึ่งบางครั้งเป็นส่วนหนึ่งของเทตราโลจีของกรีก ซึ่งประกอบด้วยโศกนาฏกรรมสามเรื่องเกี่ยวกับฮีโร่หนึ่งคน (“Oresteia” โดย Aeschylus ประกอบด้วย โศกนาฏกรรม "Agamemnon", "Choephori", "Eumenides") และบทละครเสียดสีครั้งที่สี่ รูปแบบที่ชัดเจนไม่มากก็น้อยในศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช ในศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช ตามที่อริสโตเติลกล่าวไว้ Chionides นักแสดงตลกมีชื่อเสียงซึ่งมีเพียงชื่อของบทละครบางเรื่องเท่านั้นที่ยังคงอยู่ อริสโตเฟนก็เป็นเช่นนั้น ผู้สืบทอดความคิดสร้างสรรค์ประเภทนี้ แม้ว่าอริสโตฟาเนสจะเยาะเย้ยยูริพิดีสซึ่งเป็นคนร่วมสมัยของเขาในคอเมดีของเขา แต่เขาก็ยังสร้างคอเมดีของเขาตามแผนเดียวกันกับที่ยูริพิดีสพัฒนาขึ้นในโศกนาฏกรรมของเขา และแม้แต่การสร้างคอเมดีภายนอกก็ไม่ต่างจากโศกนาฏกรรม ในศตวรรษที่ 4 BC เมนันเดอร์ออกมาข้างหน้าท่ามกลางชาวกรีก เราได้พูดถึง Plautus แล้ว เนื่องจากภาพยนตร์ตลกของเขาเลียนแบบภาพยนตร์เมนันเดอร์ นอกจากนี้เรายังเสริมว่าสำหรับ Plautus เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ก็มีบทบาทสำคัญเช่นกัน ไม่มีการขับร้องในคอเมดีของ Plautus และ Terrence; ในอริสโตเฟนมีความสำคัญมากกว่าโศกนาฏกรรมของยูริพิดีสและบรรพบุรุษของเขา นักร้องใน parabasis คือ การเบี่ยงเบนจากการพัฒนาของการกระทำเขาหันไปหาผู้ชมเพื่อตีความและทำความเข้าใจความหมายของบทสนทนาของตัวละครให้พวกเขา นักเขียนคนต่อไปหลังจาก Plautus คือ Terence เขาเลียนแบบเมนันเดอร์และ Apollodorus นักเขียนชาวกรีกอีกคนเช่นเดียวกับ Plautus การแสดงตลกของ Terence ไม่ได้มีไว้สำหรับคนทั่วไป แต่สำหรับสังคมชนชั้นสูงที่ได้รับการคัดเลือก ดังนั้นเขาจึงไม่มีความหยาบคายและความหยาบคายอย่างที่เราพบมากมายใน Plautus คอเมดี้ของ Terence มีความโดดเด่นด้วยบุคลิกที่มีคุณธรรม หากใน Plautus พ่อถูกลูกชายหลอก ดังนั้นใน Terence พวกเขาจึงเป็นผู้นำ ชีวิตครอบครัว- เด็กสาวที่ถูกล่อลวงของ Terence ตรงกันข้ามกับ Plautus แต่งงานกับผู้ล่อลวงของพวกเขา ในละครตลกคลาสสิกหลอก องค์ประกอบทางศีลธรรม (ความชั่วร้ายถูกลงโทษ ชัยชนะแห่งคุณธรรม) มาจากเทอเรนซ์ นอกจากนี้ คอเมดีของนักแสดงตลกคนนี้ยังโดดเด่นด้วยความใส่ใจในการวาดภาพตัวละครมากกว่าของ Plautus และ Menander ตลอดจนความสง่างามของสไตล์ ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในอิตาลี มีการพัฒนาเรื่องตลกประเภทพิเศษ:

COMMEDIA DELL "ARTE all" improvviso - ภาพยนตร์ตลกที่เล่นโดยนักแสดงชาวอิตาลีมืออาชีพไม่ใช่ตามข้อความที่เขียน แต่เป็นไปตามสคริปต์ (อิตาลี: Scenario หรือ soggetto) ซึ่งสรุปเฉพาะเหตุการณ์สำคัญของเนื้อหาโครงเรื่องโดยปล่อยให้เป็นหน้าที่ของนักแสดงเอง เพื่อใส่บทบาทลงในคำพูดที่เขาบอกเขาเกี่ยวกับประสบการณ์บนเวที ไหวพริบ ความมีไหวพริบ แรงบันดาลใจ หรือการศึกษา เกมประเภทนี้เจริญรุ่งเรืองในอิตาลีประมาณกลางศตวรรษที่ 16 เป็นการยากที่จะแยกแยะความแตกต่างระหว่างตลกด้นสดกับวรรณกรรมตลกอย่างเคร่งครัด (sostenuta erudita): ทั้งสองประเภทมีปฏิสัมพันธ์ที่ไม่ต้องสงสัยและแตกต่างกันในการดำเนินการเป็นหลัก การเขียนตลกบางครั้งกลายเป็นบทและย้อนกลับ วรรณกรรมตลกเขียนตามบท; มีความคล้ายคลึงกันอย่างชัดเจนระหว่างตัวละครของทั้งคู่ แต่ในกลอนสดนั้นจะถูกแช่แข็งมากกว่าที่เขียนเป็นประเภทคงที่บางประเภท นั่นคือ Pantalone ผู้โลภ รัก และหลอกอยู่เสมอ ดร. กราเซียโน บางครั้งก็เป็นทนายความ บางครั้งก็เป็นแพทย์ นักวิทยาศาสตร์ คนอวดรู้ที่คิดค้นนิรุกติศาสตร์ของคำที่น่าทึ่ง (เช่น pedante จาก pedante ante เพราะครูบังคับให้นักเรียนก้าวไปข้างหน้า); กัปตัน, ฮีโร่ในคำพูดและคนขี้ขลาดในการกระทำ, มั่นใจในความไม่อาจต้านทานของเขาต่อผู้หญิงคนใด; นอกจากนี้คนรับใช้สองประเภท (zanni): คนหนึ่งฉลาดและมีไหวพริบเป็นเจ้าเล่ห์ในการวางอุบาย (Pedrolino, Brigella, Scapino) อีกประเภทหนึ่งคือ Harlequin ที่งี่เง่าหรือ Medzetin ที่โง่เขลามากกว่าซึ่งเป็นตัวแทนของการแสดงตลกโดยไม่สมัครใจ คู่รัก (อินนาโมราติ) ค่อนข้างจะแตกต่างจากตัวละครในการ์ตูนเหล่านี้ทั้งหมด นักแสดงแต่ละคนเลือกบทบาทเดียวสำหรับตัวเองและมักจะยังคงซื่อสัตย์ต่อบทบาทนั้นมาตลอดชีวิต ด้วยเหตุนี้เขาจึงคุ้นเคยกับบทบาทของเขาและบรรลุความสมบูรณ์แบบในนั้น โดยทิ้งร่องรอยของบุคลิกภาพของเขาไว้ วิธีนี้ช่วยป้องกันไม่ให้หน้ากากไม่เคลื่อนไหวโดยสิ้นเชิง นักแสดงที่ดีมีสต็อกจำนวนมากของตัวเองหรือยืมคำด่า (concetti) ซึ่งพวกเขาเก็บไว้ในความทรงจำเพื่อที่พวกเขาจะได้ใช้อย่างใดอย่างหนึ่งในเวลาที่เหมาะสมขึ้นอยู่กับสถานการณ์และแรงบันดาลใจ คู่รักได้เตรียมคำวิงวอน ความอิจฉาริษยา คำตำหนิ ความยินดี ฯลฯ ไว้แล้ว; พวกเขาเรียนรู้มากมายจาก Petrarch แต่ละคณะมีนักแสดงประมาณ 10-12 คน แต่ละบทจึงมีจำนวนบทบาทเท่ากัน การผสมผสานองค์ประกอบต่างๆ ที่แทบจะไม่เปลี่ยนแปลงเหล่านี้ทำให้เกิดโครงเรื่องที่หลากหลาย การวางอุบายมักจะเกิดขึ้นจากความจริงที่ว่าพ่อแม่จากความโลภหรือการแข่งขันป้องกันไม่ให้คนหนุ่มสาวรักตามที่พวกเขาเลือก แต่ Zannt คนแรกอยู่เคียงข้างเยาวชนและถือสายอุบายทั้งหมดไว้ในมือของเขา อุปสรรคของการแต่งงาน แบบฟอร์มนี้เกือบจะไม่มีข้อยกเว้นสามองก์ ฉากใน C.d. arte เช่นเดียวกับวรรณกรรมตลกอิตาลีและโรมันโบราณ พรรณนาถึงจัตุรัสที่มีบ้านสองหรือสามหลังของตัวละครหันหน้าเข้าหา และในจัตุรัสที่น่าทึ่งแห่งนี้ การสนทนาและการออกเดททั้งหมดเกิดขึ้นโดยไม่มีผู้คนเดินผ่านไปมา ในภาพยนตร์ตลกเรื่องหน้ากากนั้นไม่มีอะไรเลย เพื่อมองหาจิตวิทยาแห่งความหลงใหลในโลกธรรมดาของเธอไม่มีสถานที่สำหรับการสะท้อนชีวิตที่แท้จริง ศักดิ์ศรีของมันอยู่ในการเคลื่อนไหว การดำเนินการพัฒนาอย่างง่ายดายและรวดเร็วโดยไม่มีความยาวโดยใช้เทคนิคทั่วไปเช่นการดักฟังการเปลี่ยนเสื้อผ้าการไม่รู้จักกันในความมืด ฯลฯ นี่คือสิ่งที่ Moliere นำมาใช้จากชาวอิตาลี ช่วงเวลาแห่งการบานสะพรั่งของหน้ากากตลกมากที่สุดเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17

เมื่อถึงศตวรรษที่ 19 ความตลกขบขันของตัวละครก็มีความสำคัญมากขึ้น

ตลก. ตลกแสดงให้เห็นถึงการต่อสู้อันน่าทึ่งที่กระตุ้นให้เกิดเสียงหัวเราะ ทำให้เรามีทัศนคติเชิงลบต่อแรงบันดาลใจ ความหลงใหลของตัวละคร หรือวิธีการต่อสู้ของพวกเขา การวิเคราะห์เรื่องตลกเกี่ยวข้องกับการวิเคราะห์ลักษณะของเสียงหัวเราะ ตามคำกล่าวของ Bergson การสำแดงของมนุษย์ใดๆ ที่ขัดแย้งกับข้อกำหนดทางสังคม เนื่องมาจากความเฉื่อยของมัน ถือเป็นเรื่องตลก ความเฉื่อยของเครื่องจักรซึ่งเป็นระบบอัตโนมัตินั้นไร้สาระในคนที่มีชีวิต ชีวิตต้องการ "ความตึงเครียด" และ "ความยืดหยุ่น" สัญญาณอีกอย่างหนึ่งของบางสิ่งที่ตลกขบขัน: “ ความชั่วร้ายที่ปรากฎไม่ควรทำให้ความรู้สึกของเราขุ่นเคืองมากนักเพราะเสียงหัวเราะไม่เข้ากันกับความตื่นเต้นทางอารมณ์” เบิร์กสันชี้ให้เห็นช่วงเวลาต่อไปนี้ของ "ลัทธิอัตโนมัติ" ตลกขบขันที่ทำให้เกิดเสียงหัวเราะ: 1) "การปฏิบัติต่อผู้คนเหมือนหุ่นเชิด" ทำให้คุณหัวเราะ; 2) กลไกแห่งชีวิตซึ่งสะท้อนให้เห็นในสถานการณ์ที่เกิดขึ้นซ้ำ ๆ ทำให้คุณหัวเราะ 3) ความอัตโนมัติของตัวละครที่ทำตามความคิดของพวกเขาอย่างสุ่มสี่สุ่มห้านั้นไร้สาระ อย่างไรก็ตาม เบิร์กสันมองข้ามความจริงที่ว่าผลงานละครทุกเรื่อง ทั้งตลกและโศกนาฏกรรม ถูกสร้างขึ้นจากความปรารถนาเดียวที่สำคัญของตัวละครหลัก (หรือบุคคลที่เป็นผู้นำในการวางอุบาย) - และความปรารถนานี้ในกิจกรรมต่อเนื่องของมันได้มาซึ่ง ลักษณะของระบบอัตโนมัติ นอกจากนี้เรายังพบสัญญาณที่ Bergson ระบุในโศกนาฏกรรม Figaro ไม่เพียงแต่ปฏิบัติต่อผู้คนเหมือนหุ่นเชิดเท่านั้น แต่ Iago ก็ปฏิบัติต่อผู้คนเช่นกัน อย่างไรก็ตาม การอุทธรณ์นี้ไม่ใช่เรื่องน่าขบขัน แต่น่าสะพรึงกลัว ในภาษาของ Bergson - "ความตึงเครียด" ปราศจาก "ความยืดหยุ่น" ความยืดหยุ่น - อาจเป็นเรื่องน่าเศร้า ความหลงใหลที่แข็งแกร่ง- ไม่ใช่ "ยืดหยุ่น" เมื่อกำหนดลักษณะของการแสดงตลก ควรสังเกตว่าการรับรู้ถึงสิ่งที่ตลกนั้นเปลี่ยนแปลงได้ สิ่งที่ทำให้คนหนึ่งตื่นเต้นอาจทำให้อีกคนหัวเราะได้ จากนั้น: มีบทละครค่อนข้างมากที่มีฉากและบทละคร (โศกนาฏกรรม) สลับกับแนวตลก ตัวอย่างเช่น "วิบัติจากวิทย์" บทละครบางเรื่องของออสตรอฟสกี้ ฯลฯ อย่างไรก็ตาม ข้อควรพิจารณาเหล่านี้ไม่ควรขัดขวางการสร้างคุณลักษณะของการแสดงตลก นั่นคือสไตล์ตลก สไตล์นี้ไม่ได้ถูกกำหนดโดยเป้าหมายที่มุ่งไปสู่แรงบันดาลใจที่ขัดแย้งกันและดิ้นรนของตัวละคร: ความตระหนี่สามารถพรรณนาได้ในความรู้สึกตลกขบขันและน่าเศร้า (“ The Miser” โดย Moliere และ “ The Stingy Knight” โดย Pushkin) ดอน กิโฆเต้เป็นคนตลกขบขัน แม้ว่าเขาจะมีความทะเยอทะยานสูงส่งก็ตาม การดิ้นรนต่อสู้เป็นเรื่องตลกเมื่อไม่ทำให้เกิดความเห็นอกเห็นใจ กล่าวอีกนัยหนึ่ง ตัวละครตลกไม่ควรทนทุกข์ทรมานมากจนส่งผลกระทบต่อเรา Bergson ชี้ให้เห็นอย่างถูกต้องว่าเสียงหัวเราะเข้ากันไม่ได้กับความตื่นเต้นทางอารมณ์ มวยปล้ำแนวตลกไม่ควรโหดร้าย และแนวตลกแนวบริสุทธิ์ไม่ควรมีสถานการณ์บนเวทีที่น่าสยดสยอง ทันทีที่พระเอกของหนังตลกเริ่มทนทุกข์ทรมาน ละครตลกก็กลายเป็นละคร เนื่องจากความสามารถในการแสดงความเห็นอกเห็นใจของเราสัมพันธ์กับความชอบและไม่ชอบของเรา จึงสามารถสร้างกฎที่เกี่ยวข้องกันต่อไปนี้ได้ ยิ่งพระเอกของหนังตลกน่าขยะแขยงมากเท่าไร เขาก็จะยิ่งทนทุกข์ทรมานมากขึ้นโดยไม่กระตุ้นความสงสารในตัวเรา โดยไม่ต้องละทิ้งแผนการตลกขบขัน ตัวละครของฮีโร่ตลกไม่มีแนวโน้มที่จะทนทุกข์ ฮีโร่ตลกมีความโดดเด่นด้วยความมีไหวพริบอย่างมากความมีไหวพริบที่รวดเร็วซึ่งช่วยเขาในสถานการณ์ที่คลุมเครือที่สุดเช่นเช่น Figaro หรือโดยความโง่เขลาของสัตว์ซึ่งช่วยให้เขารอดพ้นจากการรับรู้สถานการณ์ของเขาอย่างเฉียบพลันจนเกินไป (เช่น Caliban ). ตัวละครตลกประเภทนี้รวมถึงฮีโร่ที่เสียดสีในชีวิตประจำวัน สัญญาณของความตลกขบขันอีกประการหนึ่ง: การต่อสู้ดิ้นรนในการแสดงตลกดำเนินการโดยวิธีที่เคอะเขิน ไร้สาระ หรือน่าอับอาย หรือทั้งไร้สาระและน่าอับอาย การต่อสู้ของการแสดงตลกมีลักษณะเฉพาะคือ: การประเมินสถานการณ์ที่ผิดพลาด การจดจำใบหน้าและข้อเท็จจริงอย่างไม่เหมาะสม นำไปสู่การหลงผิดที่เหลือเชื่อและยาวนาน (เช่น Khlestakov ถูกเข้าใจผิดว่าเป็นผู้ตรวจสอบบัญชี) ทำอะไรไม่ถูก แม้แต่การต่อต้านที่ดื้อรั้น; เทคนิคที่ไม่เหมาะสมที่ไม่บรรลุเป้าหมาย - ยิ่งไปกว่านั้นปราศจากความรอบคอบวิธีการหลอกลวงเล็กน้อยการเยินยอการติดสินบน (ตัวอย่างเช่นกลยุทธ์ของเจ้าหน้าที่ใน "ผู้ตรวจราชการ"); การต่อสู้เป็นเรื่องที่น่าสมเพช ไร้สาระ น่าขายหน้า หยาบคาย (และไม่โหดร้าย) - นี่คือการต่อสู้แบบตลกขบขันล้วนๆ คำพูดตลกๆ จะส่งผลอย่างมากเมื่อคนตลกพูดออกมา

จุดแข็งของเช็คสเปียร์ในการแสดงเป็นฟอลสตัฟคือการผสมผสานอย่างลงตัว นั่นคือตัวตลกที่ตลกขบขัน หนังตลกไม่ได้ลึกซึ้งมากนัก แต่เราไม่สามารถจินตนาการถึงชีวิตที่ปราศจากความตายและความทุกข์ทรมานได้ ดังนั้น ตามคำพูดอันละเอียดอ่อนของ Bergson การแสดงตลกจึงให้ความรู้สึกว่าไม่มีจริง ยิ่งไปกว่านั้น ยังต้องมีการระบายสีในชีวิตประจำวันที่น่าเชื่อถือ โดยเฉพาะอย่างยิ่งลักษณะเฉพาะของภาษาที่ได้รับการพัฒนามาอย่างดี นิยายตลกก็มีความโดดเด่นเช่นกันโดยการพัฒนาทุกวัน: นี่คือรายละเอียดเฉพาะของตำนานหรือชีวิตของสิ่งมีชีวิตในตำนาน (เช่นฉากของคาลิบันใน "The Tempest" ของเช็คสเปียร์) อย่างไรก็ตาม ตัวละครตลกไม่ใช่ประเภทเหมือนในละครในประเทศ เนื่องจากการแสดงตลกสไตล์บริสุทธิ์มีลักษณะการต่อสู้ที่ไร้ความสามารถและน่าอับอาย ตัวละครจึงไม่ใช่ประเภท แต่เป็นภาพล้อเลียน และยิ่งมีภาพล้อเลียนมากเท่าไร ความตลกก็จะยิ่งสดใสมากขึ้นเท่านั้น เสียงหัวเราะเป็นศัตรูกับน้ำตา (Boileau) ควรเสริมด้วยว่าผลลัพธ์ของการต่อสู้ดิ้นรนที่ตลกขบขันเนื่องจากธรรมชาติที่ไม่โหดร้ายนั้นไม่สำคัญ ชัยชนะที่ตลกขบขันของความหยาบคาย ความโง่เขลา ความโง่เขลา - เนื่องจากเราเยาะเย้ยผู้ชนะ - ไม่ได้แตะต้องเรามากนัก ความพ่ายแพ้ของ Chatsky หรือ Neschastlivtsev ไม่ได้ทำให้เกิดความขมขื่นในตัวเรา เสียงหัวเราะคือความพอใจของเราเอง ดังนั้นในการแสดงตลก ผลลัพธ์ที่ไม่ได้ตั้งใจก็ได้รับอนุญาตเช่นกัน อย่างน้อยก็ผ่านการแทรกแซงของตำรวจ แต่ในกรณีที่ความพ่ายแพ้คุกคามใครบางคนด้วยความทุกข์ทรมานอย่างแท้จริง (เช่น Figaro และผู้เป็นที่รักของเขา) แน่นอนว่าการจบลงเช่นนี้เป็นสิ่งที่ยอมรับไม่ได้ ขอบเขตที่ข้อไขเค้าความเรื่องในตัวเองไม่สำคัญในหนังตลกนั้นชัดเจนจากข้อเท็จจริงที่ว่ามีหนังตลกที่สามารถคาดการณ์ล่วงหน้าได้ นั่นเป็นเรื่องตลกนับไม่ถ้วนที่คู่รักถูกขัดขวางไม่ให้แต่งงานโดยญาติที่โหดร้ายและตลกของพวกเขา ที่นี่ผลการแต่งงานถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าแล้ว เราหลงใหลในการแสดงตลกด้วยกระบวนการเยาะเย้ย อย่างไรก็ตาม ดอกเบี้ยจะเพิ่มขึ้นหากคาดเดาผลลัพธ์ได้ยาก ข้อไขเค้าความเรื่องเป็นบวกมีความสุข มี: 1) การเสียดสีตลกสไตล์ชั้นสูงที่ต่อต้านความชั่วร้ายที่เป็นอันตรายต่อสังคมมากที่สุด 2) ตลกประจำวันเยาะเย้ยข้อบกพร่องที่เป็นลักษณะเฉพาะของสังคมใดสังคมหนึ่ง 3) ซิทคอม สนุกสนานไปกับสถานการณ์บนเวทีที่ตลกขบขัน โดยไม่มีความสำคัญทางสังคมอย่างจริงจัง

ตลกคืออะไร?

ตลก- นี่เป็นงานละครที่ใช้ถ้อยคำและอารมณ์ขัน เยาะเย้ยความชั่วร้ายของสังคมและมนุษย์ สะท้อนถึงความตลกขบขันและพื้นฐาน เล่นตลกๆ ตามความเห็นของอริสโตเติล ความแตกต่างระหว่างโศกนาฏกรรมและความขบขันก็คือ คนเราพยายามที่จะเลียนแบบคนที่แย่กว่า และดีกว่าคนอื่นมากกว่าคนในปัจจุบัน

ตลกครองตำแหน่งที่โดดเด่นในการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรมทั้งหมดตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงสมัยใหม่ ในรัสเซียประเภทนี้ได้รับการพัฒนาอย่างแข็งขันโดยนักคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 แม้ว่าจะถือว่าต่ำกว่ามหากาพย์และโศกนาฏกรรมก็ตาม อย่างไรก็ตาม มันเป็นวรรณกรรมรัสเซียในยุคนี้ที่อาจประสบความสำเร็จสูงสุดในภาพยนตร์ตลกระดับชาติ (D.I. Fonvizin) ในศตวรรษที่ 19 A.S. A.S. กรีโบเยดอฟ, N.V. โกกอล, A.N. Ostrovsky และ A.P. เชคอฟ เป็นที่น่าสังเกตว่า Ostrovsky เรียกละครตลกทุกประเภทรวมถึงละครเช่น Talents และ Admirers, Guilty Without Guilt; เอ.พี. มอบซับไตเติ้ลคอมเมดี้ให้ชายกาของเขา Chekhov และใน Cherry Orchard เป็นจุดเริ่มต้นที่ตลกขบขันที่เขาพยายามบรรเทาความโศกเศร้าในการบอกลาอดีตที่ผ่านไป ในวรรณคดีแห่งศตวรรษที่ 20 ตัวอย่างที่ดีที่สุดของตลก ได้แก่ Mandate และ N.R.'s Suicide Erdman และรับบทโดย M.A. บุลกาคอฟ.

ประเภทคอเมดี้ที่มีเนื้อหาเฉพาะดังต่อไปนี้มีความโดดเด่น: ตลกโบราณ (ละครลัทธิที่อุทิศให้กับ Dionysus ดำเนินการโดยคณะนักร้องประสานเสียงและนักแสดง); ตลกบัลเล่ต์ (รูปแบบละครที่สร้างโดย J.-B. Moliere ซึ่งรวมถึงฉากบัลเล่ต์ในภาพยนตร์ตลก); ตลกประจำวัน (ชื่อที่พบบ่อยที่สุดสำหรับคอเมดี้ในธีมต่างๆ ชีวิตประจำวัน- ตลกของหน้ากากหรือตลก dell'arte (องค์ประกอบหลักของประเภทนี้คือความคิดสร้างสรรค์โดยรวมของนักแสดงที่ไม่เพียงแสดงในฐานะนักแสดงเท่านั้น แต่ยังในฐานะผู้เขียนบทละครด้วยและแต่ละคนก็นำสิ่งใหม่ ๆ มาโดยใช้ประสบการณ์ทางวิชาชีพและวัฒนธรรม) ตลกแห่งความคิด (บทละครที่อภิปรายทฤษฎีและแนวคิดต่าง ๆ อย่างมีไหวพริบ); หนังตลกเรื่องอุบายหรือซิทคอม (ประเภทตลกที่สร้างจากโครงเรื่องที่ซับซ้อนซึ่งมีหลายบรรทัดและฉากแอ็คชั่นที่เฉียบคม); ตลกแห่งมารยาท (ประเภทที่ให้ความสนใจหลักกับมารยาทและพฤติกรรมของฮีโร่ที่ใช้ชีวิตตามกฎเกณฑ์ทางสังคมและจริยธรรมบางประการ) ตลกเสื้อคลุมและดาบ (ประเภทของตลกสเปนที่ได้ชื่อมาจากเครื่องแต่งกายของตัวละครหลัก - ขุนนางที่มีความภาคภูมิใจในตนเองศรัทธาและความจงรักภักดีต่อกษัตริย์); ตลกเสียดสี (รูปแบบหนึ่งของตลกที่สร้างขึ้นเพื่อเปิดเผยและเยาะเย้ยความชั่วร้ายและความโง่เขลาของสังคม); ตลกซาบซึ้ง (ละครที่ละเอียดอ่อนเคร่งครัด); ตลกน้ำตา (เนื้อหาของหนังตลกมีลักษณะทางศีลธรรมและการสอนและฉากที่ซาบซึ้งสัมผัสได้เข้ามาแทนที่การ์ตูน); เรียนตลก (ประเภทที่แพร่หลายในอิตาลีในศตวรรษที่ 16 ซึ่งเกิดจากการเลียนแบบตลกโบราณโดยใช้ประเพณีเรื่องสั้นอิตาลีที่อัดแน่นไปด้วยแอ็คชั่น) ความขบขันของตัวละคร (นี่เป็นภาพด้านเดียวที่เกินจริงของคุณสมบัติของมนุษย์ - การหลอกลวง, หน้าซื่อใจคด, การโอ้อวด ฯลฯ )

ประเภทวรรณกรรมและภาพยนตร์ที่แพร่หลายโดยเฉพาะในงานศิลปะของศตวรรษที่ 18-21 เขาค่อยๆ เปลี่ยนแนวละครอีกประเภทหนึ่ง - โศกนาฏกรรม โดยเปรียบเทียบกับโครงเรื่องในชีวิตประจำวันเป็นส่วนใหญ่และรูปแบบที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงในชีวิตประจำวันมากขึ้น ละครส่วนใหญ่พรรณนาถึงชีวิตส่วนตัวของบุคคลและความขัดแย้งอันรุนแรงกับสังคม ในเวลาเดียวกัน มักเน้นไปที่ความขัดแย้งของมนุษย์ที่เป็นสากล ซึ่งรวมอยู่ในพฤติกรรมและการกระทำของตัวละครเฉพาะ

ศตวรรษที่ 18 เป็นช่วงเวลาของละครชนชั้นกลาง (G. Lillo, D. Diderot, P.-O. Beaumarchais, G. Lessing, ต้น F. Schiller) ศตวรรษที่ 19 - ละครสมจริง (G. Ibsen, G. Hauptmann, A. Strindberg, A. P. Chekhov) จากนั้นละครเชิงสัญลักษณ์ ละครเหนือจริง ละครเชิงแสดงออก ละครไร้สาระก็พัฒนาขึ้น

ละคร (เป็นประเภท)

หนึ่งในประเภทหลัก (ประเภท) ของละครเป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่งควบคู่ไปกับโศกนาฏกรรมและตลก เช่นเดียวกับการแสดงตลก ละครมักจำลองชีวิตส่วนตัวของผู้คนเป็นหลัก แต่เป้าหมายหลักไม่ใช่การเยาะเย้ยศีลธรรม แต่เพื่อพรรณนาถึงความสัมพันธ์อันน่าทึ่งกับสังคมของแต่ละคน ในเวลาเดียวกัน เช่นเดียวกับโศกนาฏกรรม ละครมีแนวโน้มที่จะสร้างความขัดแย้งเฉียบพลันขึ้นมาใหม่ แต่ในขณะเดียวกันความขัดแย้งเหล่านี้ไม่ได้รุนแรงนัก และเปิดโอกาสให้สามารถแก้ไขได้สำเร็จ

ดราม่ากลายเป็นประเภทอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 จากผู้รู้แจ้ง ละคร 19-20 ศตวรรษ เป็นเรื่องทางจิตวิทยาเป็นส่วนใหญ่ ละครบางประเภทผสมผสานกับแนวประเภทใกล้เคียงกัน โดยใช้วิธีการแสดงออก เช่น เทคนิคโศกนาฏกรรม ตลกขำขัน และละครสวมหน้ากาก

19. ตลกเป็นประเภท

ตลก(จากภาษากรีก komodía) - ประเภทของนิยายที่มีลักษณะตลกขบขันหรือเสียดสีเช่นเดียวกับละครประเภทหนึ่งที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชในการ์ตูน ซึ่งช่วงเวลาแห่งความขัดแย้งที่มีประสิทธิภาพหรือการต่อสู้ของตัวละครที่เป็นปรปักษ์ได้รับการแก้ไขโดยเฉพาะ อริสโตเติล ให้นิยามความตลกขบขันว่าเป็น “การเลียนแบบคนที่เลวร้ายที่สุด ไม่ใช่ในความเลวทรามทั้งหมดของพวกเขา แต่ในรูปแบบที่ตลกขบขัน”

ประเภทของตลกได้แก่ประเภทต่างๆ เช่น เรื่องตลก การแสดงตลก การแสดงประกอบ ภาพร่าง โอเปเรตต้า และล้อเลียน ปัจจุบันตัวอย่างของความดั้งเดิมดังกล่าวคือภาพยนตร์ตลกหลายเรื่องที่สร้างขึ้นจากการแสดงตลกภายนอกเท่านั้นนั่นคือเรื่องตลกในสถานการณ์ที่ตัวละครพบว่าตัวเองอยู่ในกระบวนการพัฒนาแอ็คชั่น

ประเภท:

ซิทคอม (ตลกสถานการณ์, ตลกตามสถานการณ์) เป็นหนังตลกที่มีแหล่งที่มาของอารมณ์ขันคือเหตุการณ์และสถานการณ์ ตัวอย่างซิทคอมคลาสสิก ได้แก่ ละครเรื่อง “The Marriage of Figaro” โดย Pierre Beaumarchais และ “The Comedy of Errors” โดย William Shakespeare

ตลกของตัวละคร (ตลกแห่งมารยาท) - หนังตลกที่มีต้นกำเนิดของความตลก สาระสำคัญภายในตัวละคร (ศีลธรรม) ความตลกขบขันและน่าเกลียดข้างเดียวลักษณะหรือความหลงใหลที่เกินจริง (รองข้อบกพร่อง) บ่อยครั้งที่การแสดงตลกที่มีมารยาทเป็นการแสดงตลกเสียดสีนั่นคือมันสร้างความสนุกสนานให้กับคุณสมบัติของมนุษย์เหล่านี้ ตัวอย่างคลาสสิกคือ Tartuffe ของ Moliere

สั้น ๆ :

ตลก (จาก gr. comos - ฝูงชนที่สำส่อนและ oide - เพลง) เป็นหนึ่งในประเภทละครซึ่งแสดงถึงความขัดแย้งในการ์ตูนที่มีพื้นฐานมาจากความเข้าใจผิด ความผิดพลาด ความบังเอิญ ฯลฯ

ตลกสร้างสถานการณ์ชีวิตหรือตัวละครที่ทำให้เกิดเสียงหัวเราะขึ้นมาใหม่ ดังนั้นในการวิจารณ์วรรณกรรมประเภทของมันจึงมีความโดดเด่น: ตลกของสถานการณ์และตลกของตัวละคร

ขึ้นอยู่กับองค์กรและการประเมินเนื้อหา, โคลงสั้น ๆ, ตลกเสียดสี, ตลกของอุบายและตลกของมารยาทก็มีความโดดเด่นเช่นกัน

อย่างไรก็ตาม งานประเภทการ์ตูนมักจัดเป็นประเภทผสมได้เพราะว่า เป็นการผสมผสานหลักการและเทคนิคการแสดงตลกต่างๆ เข้าด้วยกัน ทำให้ผู้เขียนบรรลุผลด้านการ์ตูนในระดับสูงสุด

ตัวอย่างเช่น "The Inspector General" ของ Gogol ถือได้ว่าเป็นซิทคอมเพราะว่า มันเป็นเรื่องของความเข้าใจผิดและเป็นเรื่องตลกของตัวละครเพราะ... ฮีโร่ของมันคือประเภททางสังคมที่แสดงให้เห็นถึงข้อบกพร่องของมนุษย์: การติดสินบน, ความโง่เขลา, ความไม่สะอาดทางศีลธรรม, ความประมาทเลินเล่อ ฯลฯ

ควรกล่าวถึงเรื่องตลกประเภทนี้ซึ่งเรียกว่า "สูง" ในงานดังกล่าว เอฟเฟกต์การ์ตูนไม่ได้เกิดขึ้นจากการใช้เทคนิคตลกขบขันที่ทำให้เกิดเสียงหัวเราะ แต่เกิดจากการประชด พวกเขาพรรณนาถึงสถานการณ์ที่ไม่ตลก แต่น่าเศร้าในความไร้สาระของพวกเขา ภาพยนตร์ตลกเรื่อง "High" ได้แก่ "Woe from Wit" โดย A. Griboyedov

และในวรรณคดียุคกลาง การแสดงตลกถือเป็นงานทุกประเภท แม้จะไม่ใช่เรื่องดราม่าก็ตาม ที่เริ่มต้นได้ไม่ดีแต่จบลงด้วยดี ตัวอย่างเช่น “The Divine Comedy” โดย Dante Alighieri

ที่มา: คู่มือนักเรียน: เกรด 5-11 - อ.: AST-PRESS, 2000

รายละเอียดเพิ่มเติม:

ตลกในวรรณคดีถือเป็นประเภทละครหลักควบคู่ไปกับโศกนาฏกรรม มันมีต้นกำเนิดใน กรีกโบราณ- ผู้ก่อตั้งถือเป็นอริสโตเฟน (ประมาณ 446 - ประมาณ 385 ปีก่อนคริสตกาล) เขาเป็นคนแรกที่แสดงพลังและความเป็นไปได้ของเสียงหัวเราะในวรรณคดี อริสโตฟาเนสชอบทำให้พลเมืองเอเธนส์ผู้มีชื่อเสียงตลอดจนเหตุการณ์สำคัญๆ กลายเป็นเรื่องน่าหัวเราะในละครตลกของเขา ชีวิตทางการเมืองเอเธนส์ นักเขียนบทละครถือว่าละครเรื่อง "Clouds" เป็นหนังตลกที่ดีที่สุดของเขา

ลักษณะของการแสดงตลกคืออะไร? ก่อนอื่นเลย เสียงหัวเราะ แต่เสียงหัวเราะอาจแตกต่างกันได้ - นิสัยดี ร่าเริง มืดมน โกรธ ทำลายล้าง... ในภาพยนตร์ตลก เสียงหัวเราะใดๆ ก็ตามเกิดขึ้นจากความไม่สอดคล้องกัน

มีหลายทางเลือกสำหรับความไม่สอดคล้องกัน: ระหว่างจินตภาพกับความจริง, ระหว่างคำพูดกับการกระทำ, ระหว่างภายนอกและภายใน มีความไม่สอดคล้องกันหลายประการในภาพยนตร์ตลกของโกกอลเรื่อง The Inspector General สิ่งสำคัญคือในอีกด้านหนึ่งคือ Khlestakov บุคคลที่ไม่มีนัยสำคัญและอีกด้านหนึ่งคือเจ้าหน้าที่ของเมืองในเขตที่หวาดกลัว ด้วยความหวาดกลัวต่อการตรวจสอบ พวกเขาจึงยกระดับ Khlestakov ขึ้นสู่ตำแหน่งผู้ตรวจสอบบัญชีที่ทรงอำนาจและสร้างเขาให้เป็นบุคคลสำคัญ ความแตกต่างเผยให้เห็นว่าใครมีค่าอะไร

ความคลาดเคลื่อนส่วนกลางแบ่งออกเป็นชุดรอง: ระหว่างวัตถุประสงค์ของตำแหน่งและรูปแบบการดำเนินการ เช่นเดียวกับนายกเทศมนตรีหรือสตรอเบอรี่ เขาเป็นผู้ดูแลสถาบันการกุศล แต่แทนที่จะดูแลคนชราและเด็กกำพร้ากลับกลับปล้นพวกเขา สตรอเบอร์รี่เป็น "คนอ้วน แต่เป็นคนโกง" โกกอลอธิบายให้นักแสดงฟัง

ความไม่สอดคล้องกันเป็นตัวกำหนดพัฒนาการของการแสดงตลก เช่นเดียวกับบทสนทนาของตัวละครซึ่งมีสำนวน คำพูดตลกๆ และน้ำเสียงที่ตลกขบขัน เป็นแหล่งเสียงหัวเราะที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งในการแสดงตลก นี่นายกเทศมนตรี ในพจนานุกรมของเขาคำว่า: "fintirlyushki", "Assyrians", "equivok"; สำนวน: "ปรุงด้วยเนย" "ฉันจะให้พริกไทย" และสีอื่น ๆ ที่มีสีสันไม่แพ้กัน

เพื่อดึงดูดความสนใจไปที่ความไม่ลงรอยกัน การแสดงตลกมักใช้คำพูดเกินจริง การพูดเกินจริง และความไร้สาระ ใน The Inspector General มีสถานการณ์ที่ไม่เหมือนใครในเรื่องไร้สาระกับภรรยาของนายทหารชั้นประทวนที่ต้องการได้รับค่าชดเชยจากการถูกเฆี่ยนตี "โดยไม่ได้ตั้งใจ" เป็นผลให้แทนที่จะเป็นความเห็นอกเห็นใจกลับทำให้เกิดเสียงหัวเราะ

ตัวละครในละครตลกมักจะวาดตัวใหญ่ โดยเน้นที่ลักษณะนิสัยที่ถูกเยาะเย้ย ตัวอย่างเช่นใน "ผู้ตรวจราชการ" เกี่ยวกับความรักที่มากเกินไปของนายกเทศมนตรีต่อยศ จริงอยู่ผู้เขียนก็ไม่เพิกเฉยต่อจุดอ่อนอื่น ๆ ของเขาด้วย

ในหนังตลกทุกเรื่อง ไม่ว่าจะหัวเราะแบบเหน็บแนมแค่ไหน ก็มีจุดเริ่มต้นที่ดี แม้ว่าจะไม่ได้รวมอยู่ในบุคคลใดบุคคลหนึ่งเสมอไปก็ตาม โกกอลตอบโต้คำตำหนิของนักวิจารณ์ว่าไม่มีฮีโร่เชิงบวกใน The Government Inspector โดยเขียนว่า "ฉันเสียใจที่ไม่มีใครสังเกตเห็นใบหน้าที่ซื่อสัตย์ในการเล่นของฉัน... ใบหน้าที่ซื่อสัตย์และสง่างามนี้คือเสียงหัวเราะ" เป็นเสียงหัวเราะที่เผยให้เห็นความชั่วร้ายของระบบราชการเขตทั้งหมดที่ซ่อนอยู่ภายใต้ชั้นของชีวิตประจำวัน

ตลกในวรรณคดีแบ่งออกเป็นสองกลุ่มใหญ่: ตลกในสถานการณ์และตลกของตัวละคร ในตอนแรกผู้อ่าน (ผู้ชม) หัวเราะกับสถานการณ์ตลก ๆ ที่ฮีโร่พบว่าตัวเองเผชิญอยู่ ประการที่สองตัวละครของพวกเขาทำให้เกิดเสียงหัวเราะ ส่วนใหญ่แล้ว คอเมดี้ทั้งสองประเภทจะรวมกันเป็นหนึ่งเดียว ดังที่เกิดขึ้นใน The Government Inspector จากความเข้าใจผิดที่ตลกขบขัน (เจ้าหน้าที่เข้าใจผิดว่าเป็นนกที่สำคัญ) เหตุการณ์ที่ตามมาทั้งหมดจะตามมา ประการแรก “The Inspector General” นั้นเป็นหนังตลกที่มีตัวละคร เพราะความผิดพลาดของเจ้าหน้าที่อธิบายได้จากคุณสมบัติของตัวละคร พวกเขาคุ้นเคยกับการรับสินบนดังนั้นพวกเขาจึงกลัวผู้ตรวจสอบบัญชีถึงตาย ใน “สถานการณ์ของผู้ตรวจสอบบัญชี” นี้ พวกเขาดูตลก แต่แต่ละคนก็มีแนวทางของตัวเอง ขึ้นอยู่กับตัวละครของพวกเขา

ถ้าเราจำแนกประเภทตลกตามลักษณะของเสียงหัวเราะ เราก็สามารถแบ่งประเภทออกเป็นประเภทเสียดสีและตลกขบขันได้ “จเรตำรวจ” เป็นหนังตลกเสียดสี

จุดประสงค์ของการแสดงตลกคือการเยาะเย้ยสิ่งที่ขัดกับบรรทัดฐานของชีวิต แต่ไม่เพียงเท่านั้น ยังมีอะไรอีกมากมายที่สนุกสนานและสนุกสนานในงานเหล่านี้

ขั้นพื้นฐาน คุณสมบัติของหนังตลกต่อไปนี้:

• ละครประเภทหนึ่งที่สำคัญ
• “ บิดาแห่งความขบขัน” - อริสโตเฟน;
• ความไม่ลงรอยกันเป็นพื้นฐานของประเภท;
• ตลกของตัวละครและซิทคอม
• การมีหลักการเชิงบวกในการแสดงตลก
• อติพจน์, ความไร้สาระ, การพูดเกินจริงเป็นวิธีศิลปะในการสร้างการ์ตูนตลก;
• จุดประสงค์ของการแสดงตลกคือเพื่อพรรณนาปรากฏการณ์ เหตุการณ์ และตัวละครที่ทำให้เกิดเสียงหัวเราะ

​

ผสมผสานประเพณีที่ดีที่สุดของฝรั่งเศส โรงละครพื้นบ้านที่มีแนวคิดเห็นอกเห็นใจขั้นสูงที่สืบทอดมาจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยใช้ประสบการณ์ของความคลาสสิก Moliere ได้สร้างรูปแบบใหม่ การแสดงตลกประเภทหนึ่งที่สะท้อนถึงยุคปัจจุบันเผยให้เห็นถึงความผิดรูปทางสังคมของสังคมชนชั้นกลางชนชั้นสูง- ในบทละครที่สะท้อน “สังคมทั้งสังคมเหมือนในกระจก” เอ็มหยิบยกขึ้นมา หลักการทางศิลปะใหม่: ความจริงของชีวิต ความเป็นปัจเจกบุคคลของตัวละครด้วยการพิมพ์ตัวอักษรที่สดใส และการรักษารูปแบบเวที ถ่ายทอดองค์ประกอบที่ร่าเริงของโรงละครสี่เหลี่ยม

ภาพยนตร์ตลกของเขามุ่งต่อต้านความหน้าซื่อใจคด ซ่อนอยู่เบื้องหลังความศรัทธาและคุณธรรมที่โอ้อวด ต่อต้านความว่างเปล่าทางจิตวิญญาณและการเยาะเย้ยถากถางอันเย่อหยิ่งของชนชั้นสูง ฮีโร่ของคอเมดี้เหล่านี้ได้รับพลังมหาศาลในการเป็นแบบอย่างทางสังคม

ความมุ่งมั่นและความแน่วแน่ของ M. แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในลักษณะของผู้คนจากประชาชน - คนรับใช้และสาวใช้ที่กระตือรือร้นฉลาดเฉลียวร่าเริงเต็มไปด้วยการดูถูกขุนนางที่ไม่ได้ใช้งานและชนชั้นกลางที่พึงพอใจในตนเอง

คุณลักษณะสำคัญของการแสดงตลกชั้นสูงคือ องค์ประกอบที่น่าเศร้า ปรากฏชัดเจนที่สุดใน Misanthrope ซึ่งบางครั้งเรียกว่าโศกนาฏกรรมและแม้กระทั่งโศกนาฏกรรม

คอเมดี้ของMolière ครอบคลุมปัญหาชีวิตสมัยใหม่ที่หลากหลาย : ความสัมพันธ์ระหว่างพ่อกับลูก การศึกษา การแต่งงานและครอบครัว สภาพศีลธรรมของสังคม (หน้าซื่อใจคด ความโลภ ความไร้สาระ ฯลฯ) ชนชั้น ศาสนา วัฒนธรรม วิทยาศาสตร์ (การแพทย์ ปรัชญา) ฯลฯ

วิธีสร้างละครเวทีของตัวละครหลักและการแสดงออกของประเด็นทางสังคมในละครกลายเป็น เน้นลักษณะนิสัยอย่างหนึ่ง,ความหลงใหลที่โดดเด่นของตัวเอก ความขัดแย้งหลักของบทละครก็ "เชื่อมโยง" เข้ากับความหลงใหลนี้เช่นกัน

คุณสมบัติหลักของตัวละครของ Moliere - ความเป็นอิสระ กิจกรรม ความสามารถในการจัดความสุขและโชคชะตาในการต่อสู้กับสิ่งเก่าและล้าสมัย- แต่ละคนมีความเชื่อของตัวเอง ระบบความเชื่อของตัวเอง ซึ่งเขาปกป้องต่อหน้าคู่ต่อสู้ ร่างของคู่ต่อสู้เป็นสิ่งจำเป็นสำหรับหนังตลกคลาสสิกเพราะการกระทำในนั้นพัฒนาขึ้นในบริบทของข้อพิพาทและการอภิปราย

คุณสมบัติอีกอย่างของตัวละครของ Moliere ก็คือ ความคลุมเครือของพวกเขา- หลายคนไม่มีอย่างใดอย่างหนึ่ง แต่มีคุณสมบัติหลายประการ (ดอนฮวน) หรือเมื่อแอ็คชั่นดำเนินไป ตัวละครของพวกเขาก็จะซับซ้อนหรือเปลี่ยนแปลงมากขึ้น (Argon in Tartuffe, Georges Dandin)

แต่ทุกคน ตัวละครเชิงลบมีสิ่งหนึ่งที่เหมือนกัน - การละเมิดมาตรการ- การวัดเป็นหลักการสำคัญของสุนทรียภาพแบบคลาสสิก ในภาพยนตร์ตลกของโมลิแยร์ มีความคล้ายคลึงกับสามัญสำนึกและความเป็นธรรมชาติ (และดังนั้นจึงมีศีลธรรมด้วย) ผู้ให้บริการของพวกเขามักจะกลายเป็นตัวแทนของประชาชน (คนรับใช้ใน Tartuffe ภรรยาผู้ใจดีของ Jourdain ใน Meshchanin ในขุนนาง) ด้วยการแสดงความไม่สมบูรณ์ของผู้คน Moliere ใช้หลักการสำคัญของแนวตลก - ผ่านเสียงหัวเราะเพื่อประสานโลกและความสัมพันธ์ของมนุษย์ .

พล็อตคอเมดี้มากมาย ไม่ซับซ้อน- แต่ความเรียบง่ายของโครงเรื่องทำให้ Moliere เขียนได้กระชับและเป็นความจริงได้ง่ายขึ้น ลักษณะทางจิตวิทยา- ในหนังตลกเรื่องใหม่ การเคลื่อนไหวของโครงเรื่องไม่ได้เป็นผลมาจากกลอุบายและความซับซ้อนของโครงเรื่องอีกต่อไป แต่ “ตามมาจากพฤติกรรมของตัวละครเองและถูกกำหนดโดยตัวละครของพวกเขา” ในเสียงหัวเราะที่ดังและกล่าวหาของMolière มีข้อความแสดงความขุ่นเคืองในหมู่พลเรือน

โมลิแยร์รู้สึกขุ่นเคืองอย่างยิ่งต่อตำแหน่งของขุนนางและนักบวชและ "โมลิแยร์สร้างความเสียหายครั้งแรกให้กับสังคมชนชั้นกลางชนชั้นสูงด้วยการแสดงตลกของเขาเรื่อง Tartuffe" ด้วยพลังแห่งอัจฉริยะ เขาแสดงให้เห็นโดยใช้ตัวอย่างของ Tartuffe ว่าศีลธรรมแบบคริสเตียนทำให้บุคคลไม่รับผิดชอบต่อการกระทำของเขาโดยสิ้นเชิง บุคคลที่ปราศจากเจตจำนงของตนเองและปล่อยให้เป็นไปตามพระประสงค์ของพระเจ้าโดยสิ้นเชิง” ตลกถูกแบนและตลอดชีวิตของเขา Moliere ยังคงต่อสู้เพื่อมัน

ภาพลักษณ์ของ Don Juan ก็มีความสำคัญในงานของ Moliere เช่นกัน ตามที่ Mr. Boyadzhiev กล่าว “ ในภาพลักษณ์ของดอนฮวน โมลิแยร์ได้ตราหน้าประเภทของขุนนางที่เสเพลและเหยียดหยามที่เขาเกลียด ผู้ชายที่ไม่เพียงแต่กระทำความโหดร้ายของเขาโดยไม่ต้องรับโทษเท่านั้น แต่ยังแสดงความจริงที่ว่าเนื่องจากความสูงส่งของต้นกำเนิดของเขา เขามีสิทธิ์ ไม่ต้องคำนึงถึงกฎศีลธรรมที่ผูกมัดเฉพาะคนชั้นต่ำเท่านั้น”

โมลิแยร์เป็นนักเขียนเพียงคนเดียวในศตวรรษที่ 17 ที่มีส่วนในการสร้างสายสัมพันธ์ระหว่างชนชั้นกระฎุมพีกับมวลชน เขาเชื่อว่าสิ่งนี้จะช่วยปรับปรุงชีวิตของผู้คนและจำกัดความไม่เคารพกฎหมายของนักบวชและสมบูรณาญาสิทธิราชย์

1. มุมมองเชิงปรัชญาและคุณธรรม-สุนทรีย์ของละครตลกโดย J.-B. Moltera ("Tartuffe", "Don Juan") การสังเคราะห์การเรียนการสอนและความบันเทิงในงานของนักเขียนบทละคร

Moliere นำเสนองานที่ไม่สนุกสนาน แต่เป็นงานด้านการศึกษาและการเสียดสี ภาพยนตร์ตลกของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยถ้อยคำเสียดสีที่ฉูดฉาด เข้ากับความชั่วร้ายทางสังคมไม่ได้ และในขณะเดียวกันก็มีอารมณ์ขันและความร่าเริงที่เปล่งประกาย

“ทาร์ตตัฟ”- ภาพยนตร์ตลกเรื่องแรกของ Moliere ซึ่งมีการเปิดเผยคุณลักษณะบางประการของความสมจริง โดยทั่วไป เช่นเดียวกับละครในยุคแรกๆ ของเขา เป็นไปตามกฎเกณฑ์สำคัญและเทคนิคการเรียบเรียงของงานคลาสสิก อย่างไรก็ตาม Moliere มักจะพรากจากพวกเขา (ตัวอย่างเช่นใน Tartuffe กฎของเอกภาพของเวลาไม่ได้รับการสังเกตอย่างเต็มที่ - โครงเรื่องมีเรื่องราวเบื้องหลังเกี่ยวกับความคุ้นเคยของ Orgon และนักบุญ)

ใน Tartuffe Moliere ตำหนิการหลอกลวงซึ่งมีตัวละครหลักเป็นตัวเป็นตนตลอดจนความโง่เขลาและความไม่รู้ทางศีลธรรมซึ่งแสดงโดย Orgon และ Madame Pernelle โดยการหลอกลวง Tartuffe หลอกลวง Orgon และฝ่ายหลังก็ตกเป็นเหยื่อเนื่องจากความโง่เขลาและธรรมชาติที่ไร้เดียงสาของเขา ความขัดแย้งระหว่างสิ่งที่ชัดเจนและชัดเจนระหว่างหน้ากากและใบหน้าซึ่งเป็นแหล่งที่มาหลักของความขบขันในละคร เนื่องจากต้องขอบคุณมันที่คนหลอกลวงและคนธรรมดาทำให้ผู้ชมหัวเราะอย่างเต็มที่

ประการแรก - เพราะเขาพยายามไม่ประสบความสำเร็จในการหลอกตัวเองว่าเป็นคนที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและต่อต้านแบบมีมิติเท่ากันและยังเลือกคุณสมบัติของมนุษย์ต่างดาวที่เฉพาะเจาะจงโดยสิ้นเชิงซึ่งอาจยากกว่าสำหรับซูร์และเสรีนิยมที่จะเล่นบทบาทของนักพรต ผู้แสวงบุญที่กระตือรือร้นและบริสุทธิ์ อย่างที่สองนั้นไร้สาระเพราะเขาไม่เห็นสิ่งที่จะดึงดูดสายตาของคนปกติอย่างแน่นอน เขามีความยินดีและมีความสุขอย่างยิ่งกับสิ่งที่ควรทำให้เกิดถ้าไม่ใช่เสียงหัวเราะของโฮเมอร์ริก ไม่ว่าในกรณีใดก็เกิดความขุ่นเคือง ใน Orgon Moliere เน้นก่อนลักษณะอื่น ๆ ของตัวละครความยากจนใจแคบและข้อ จำกัด ของบุคคลที่ล่อลวงด้วยความฉลาดของเวทย์มนต์ที่เข้มงวดซึ่งมึนเมาโดยศีลธรรมและปรัชญาสุดโต่งซึ่งเป็นแนวคิดหลักที่แยกออกจากกันโดยสิ้นเชิง โลกและดูหมิ่นความสุขทางโลกทั้งสิ้น

การสวมหน้ากากถือเป็นสมบัติของจิตวิญญาณของทาร์ทัฟเฟ ความหน้าซื่อใจคดไม่ใช่รองเพียงอย่างเดียวของเขา แต่มันถูกนำออกมาข้างหน้าและลักษณะเชิงลบอื่น ๆ เสริมสร้างและเน้นย้ำคุณสมบัตินี้ โมลิแยร์สามารถสังเคราะห์ความเข้มข้นที่แท้จริงของความหน้าซื่อใจคดได้ซึ่งควบแน่นอย่างมากจนเกือบจะสมบูรณ์แบบ ในความเป็นจริงสิ่งนี้คงเป็นไปไม่ได้

โมลิแยร์สมควรได้รับเกียรติยศของผู้สร้างประเภท "ตลกชั้นสูง" - ตลกที่อ้างว่าไม่เพียง แต่เป็นเรื่องตลกและเยาะเย้ยเท่านั้น แต่ยังแสดงถึงแรงบันดาลใจทางศีลธรรมและอุดมการณ์ในระดับสูงอีกด้วย

ในความขัดแย้ง แนวตลกรูปแบบใหม่ก็ปรากฏขึ้นอย่างชัดเจน ความขัดแย้งหลักของความเป็นจริง- ตอนนี้ฮีโร่ไม่เพียงแสดงออกมาในเนื้อหาภายนอกที่เป็นการ์ตูนวัตถุประสงค์เท่านั้น แต่ยังมีประสบการณ์ส่วนตัวที่บางครั้งก็มีตัวละครที่น่าทึ่งอย่างแท้จริงสำหรับพวกเขา ประสบการณ์ที่น่าทึ่งนี้ทำให้ฮีโร่เชิงลบของหนังตลกเรื่องใหม่มีความจริงที่สำคัญ ซึ่งเป็นสาเหตุที่การประณามเสียดสีได้รับพลังพิเศษ

แยกลักษณะตัวละครหนึ่งตัว- ภาพยนตร์ตลกเรื่อง “สีทอง” ทั้งหมดของ Moliere – “Tartuffe” (1664), “Don Juan” (1665), “The Misanthrope” (1666), “The Miser” (1668), “The Imaginary Invalid” (1673) – ถูกสร้างขึ้น บนพื้นฐานของวิธีนี้ เป็นที่น่าสังเกตว่าแม้แต่ชื่อเรื่องของละครที่เพิ่งระบุไว้ก็เป็นชื่อของตัวละครหลักหรือชื่อของความหลงใหลที่โดดเด่นของพวกเขา

ตั้งแต่เริ่มต้นของการกระทำ ผู้ชม (ผู้อ่าน) ไม่มีข้อสงสัยเกี่ยวกับบุคคลของ Tartuffe: คนหน้าซื่อใจคดและคนวายร้าย ยิ่งกว่านั้นสิ่งเหล่านี้ไม่ใช่บาปส่วนบุคคลที่มีอยู่ในตัวเราแต่ละคนในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่น แต่เป็นธรรมชาติของจิตวิญญาณของตัวละครหลัก ทาร์ทัฟเฟ่ปรากฏบนเวทีเฉพาะในองก์ที่สามเท่านั้น แต่เมื่อถึงเวลานั้นทุกคนก็รู้แล้วว่าใครปรากฏตัวอย่างแน่นอนใครคือผู้กระทำความผิดในบรรยากาศที่ตื่นเต้นเร้าใจซึ่งนักเขียนบทละครบรรยายอย่างชำนาญในสององก์ก่อนหน้านี้

ยังคงมีการกระทำเต็มรูปแบบอีกสองครั้งก่อนที่ Tartuffe จะปล่อยตัวและความขัดแย้งในครอบครัวของ Orgon ก็รุนแรงขึ้นอย่างเต็มกำลังแล้ว การปะทะกันทั้งหมด - ระหว่างญาติของเจ้าของกับแม่ของเขา กับเขาเป็นการส่วนตัว และในที่สุดกับตัว Tartuffe เอง - เกิดขึ้นจากความหน้าซื่อใจคดของคนหลัง เราสามารถพูดได้ว่าไม่ใช่แม้แต่ตัว Tartuffe เองที่เป็นตัวละครหลักของหนังตลก แต่เป็นรองของเขา และเป็นความชั่วร้ายที่ทำให้เจ้าของพังทลายลงและไม่ใช่ความพยายามของตัวละครที่ซื่อสัตย์มากกว่าที่จะนำผู้หลอกลวงมาสู่น้ำสะอาด

บทละครของ Moliere เป็นบทละครเชิงวินิจฉัยที่เขาสร้างขึ้นจากความหลงใหลและความชั่วร้ายของมนุษย์ และตามที่ระบุไว้ข้างต้น ความหลงใหลเหล่านี้เองที่กลายเป็นตัวละครหลักของผลงานของเขา ถ้าใน Tartuffe นี่เป็นเรื่องหน้าซื่อใจคดก็เข้ามา “ดอนฮวน” ความหลงใหลที่โดดเด่นเช่นนี้ถือเป็นความภาคภูมิใจอย่างไม่ต้องสงสัย การเห็นผู้ชายตัณหาที่ไม่สามารถควบคุมได้ในตัวเขาเท่านั้นหมายถึงการทำตัวไร้สาระ ตัณหาไม่สามารถนำไปสู่การกบฏต่อสวรรค์ที่เราเห็นในดอนฮวนได้
โมลิแยร์สามารถเห็นในสังคมร่วมสมัยของเขาถึงพลังที่แท้จริงในการต่อต้านความซ้ำซ้อนของทาร์ทัฟเฟและการเยาะเย้ยถากถางของดอนฮวน กองกำลังนี้กลายเป็นผู้ประท้วง Alceste ฮีโร่ในภาพยนตร์ตลกเรื่องที่สามของ Moliere เรื่อง “The Misanthrope” ซึ่งนักแสดงตลกได้แสดงอุดมการณ์พลเมืองของเขาด้วยความหลงใหลและความครบถ้วนสมบูรณ์ที่สุด ภาพลักษณ์ของ Alceste ซึ่งอยู่ในคุณสมบัติทางศีลธรรมซึ่งตรงกันข้ามกับภาพของ Tartuffe และ Don Juan โดยตรงในบทบาทหน้าที่ในบทละครนั้นคล้ายคลึงกับพวกเขาโดยสิ้นเชิงโดยรับภาระของเครื่องยนต์ของโครงเรื่อง ความขัดแย้งทั้งหมดเกิดขึ้นกับบุคคลของ Alceste (และส่วนหนึ่งเกี่ยวกับ "เวอร์ชันผู้หญิง" ของเขา - Celimene) เขาไม่เห็นด้วยกับ " สิ่งแวดล้อม“ในลักษณะเดียวกับที่ทาร์ทัฟเฟ่และดอนฮวนเปรียบเทียบกัน

ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว ความหลงใหลที่โดดเด่นของตัวเอกมักจะกลายเป็นสาเหตุของผลลัพธ์ในภาพยนตร์ตลก (ไม่สำคัญว่าจะมีความสุขหรือในทางกลับกัน)

19. โรงละครแห่งการตรัสรู้ของเยอรมัน ก.-อี. เลสซิ่งและโรงละคร กิจกรรมการกำกับและการแสดงของ F.L. ชโรเดอร์.

ตัวแทนหลักของโรงละครเยอรมันคือ Gotthold LESSING - เขาเป็นนักทฤษฎีของโรงละครเยอรมันผู้สร้างละครสังคมผู้แต่งเรื่องตลกระดับชาติและโศกนาฏกรรมทางการศึกษา เขาตระหนักถึงความเชื่อที่เห็นอกเห็นใจของเขาในการต่อสู้กับสมบูรณาญาสิทธิราชย์บนเวทีของโรงละครฮัมบูร์ก (โรงเรียนแห่งความสมจริงทางการศึกษา)

ในปี ค.ศ. 1777 โรงละครแห่งชาติ Monheim เปิดทำการในประเทศเยอรมนี บทบาทที่สำคัญที่สุดในกิจกรรมของเธอคือนักแสดง - ผู้กำกับ - นักเขียนบทละคร - Ifflander นักแสดงของโรงละคร Maheim โดดเด่นด้วยเทคนิคอันชาญฉลาดซึ่งถ่ายทอดลักษณะนิสัยของตัวละครได้อย่างแม่นยำ ผู้กำกับให้ความสนใจกับรายละเอียดเล็ก ๆ น้อย ๆ แต่ไม่ใช่เนื้อหาเชิงอุดมคติของบทละคร

โรงละคร Weimore มีชื่อเสียงจากผลงานของนักเขียนบทละครเช่นเกอเธ่และชิลเลอร์ มีผลงานโดยนักเขียนบทละครเช่น Goethe, Schilir, Lesing และ Walter มีการวางรากฐานของการกำกับศิลปะ มีการวางรากฐานของเกมที่สมจริง หลักการของวงดนตรี

20. โรงละครแห่งการตรัสรู้ของอิตาลี: C. Goldoni เค. กอซซี่.

โรงละครอิตาลี: การแสดงละครเวทีประเภทต่อไปนี้ได้รับความนิยมในโรงละคร: นักแสดงตลก delarte, บุฟเฟ่ต์โอเปร่า, โอเปร่าจริงจัง, โรงละครหุ่นกระบอก แนวคิดด้านการศึกษาในโรงละครอิตาลีเกิดขึ้นจริงในผลงานของนักเขียนบทละครสองคน

เป็นเรื่องปกติสำหรับ Galdoni ที่จะปฏิเสธหน้ากากแห่งโศกนาฏกรรมเดอลาร์ตเพื่อสนับสนุนการสร้างตัวละครของตัวละคร ความพยายามที่จะละทิ้งการแสดงด้นสดในการแสดง เขียนบทละครเช่นนี้ ผู้คนในศตวรรษที่ 18 ก็ปรากฏในผลงาน

Gozzi นักเขียนบทละครและนักแสดงละคร ปกป้องหน้ากาก ซึ่งกำหนดภารกิจที่สำคัญที่สุดของเขาคือการกลับมาด้นสดอีกครั้ง (ราชากวาง เจ้าหญิงทูรานดอต) พัฒนาประเภทของนิทานเทพนิยาย

22. การกำเนิดของประเพณีการแสดงละครระดับชาติในบริบทของวัฒนธรรมแห่งศตวรรษที่ 17

คุณสมบัติของโรงละครรัสเซียในศตวรรษที่ 17

โรงละครจะปรากฏที่ศาลของ Alexei Mikhailovich ไม่มีข้อมูลที่แน่ชัดว่าการแสดงครั้งแรกปรากฏในมอสโกเมื่อใด สันนิษฐานว่าหลังจากการรุกรานของผู้แอบอ้าง ภาพยนตร์ตลกของชาวยุโรปอาจถูกจัดแสดงในบ้านของสถานทูต มีข้อบ่งชี้สำหรับปี 1664 ตามข้อมูลของเอกอัครราชทูตอังกฤษ - สถานทูตใน Pokrovka รุ่นที่สองคือโบยาร์สามารถแสดงละครได้ Atamon Medvedev สามารถแสดงละครในบ้านของเขาในปี 1672

อย่างเป็นทางการ โรงละครปรากฏในวัฒนธรรมรัสเซียด้วยความพยายามของคนสองคน Alexey Mikhailovich คนที่สองคือ Johann Gotward Gregory

การแสดงครั้งแรกเกี่ยวข้องกับวิชาในตำนานและศาสนา ภาษาของการแสดงเหล่านี้โดดเด่นด้วยวรรณกรรมและความถนัด (ต่างจากพื้นบ้าน การเล่นตลก) ในตอนแรกบทละครจะแสดงเป็นภาษาเยอรมันจากนั้นเป็นภาษารัสเซีย การแสดงครั้งแรกมีความยาวมากและอาจใช้เวลานานถึง 10 ชั่วโมง

ประเพณีการแสดงละครหายไปพร้อมกับการตายของ Alexei Mikhailovich และฟื้นขึ้นมาพร้อมกับ Peter 1

23. บทบาทของละครในระบบการปฏิรูปของปีเตอร์และในบริบทของกระบวนการทำให้เป็นฆราวาสของวัฒนธรรมรัสเซีย

โรงละครรัสเซียในยุคศตวรรษที่ 18 การต่ออายุประเพณีการแสดงละครในศตวรรษที่ 18 เกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของการปฏิรูปของปีเตอร์มหาราช ในปี 1702 ปีเตอร์ได้สร้างโรงละครสาธารณะ เดิมมีการวางแผนว่าโรงละครแห่งนี้จะปรากฏที่จัตุรัสแดง โรงละครแห่งนี้ได้รับการตั้งชื่อว่า "COMEDY STORAGE" ละครเรื่องนี้ก่อตั้งโดยคุณสม

ปีเตอร์ต้องการทำให้โรงละครเป็นสถานที่ซึ่งจะกลายเป็นเวทีที่สำคัญที่สุดในการอธิบายการปฏิรูปทางการเมืองและการทหารของเขา โรงละครในเวลานี้ควรจะทำหน้าที่ตามอุดมการณ์ แต่ผลงานบนเวทีส่วนใหญ่เป็นผลงานละครเยอรมัน และไม่ประสบความสำเร็จกับสาธารณชน เปโตรเรียกร้องให้การแสดงไม่เกินสามองก์ ไม่ควรประกอบด้วยเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ละครเหล่านี้ไม่ควรตลกหรือเศร้าเกินไป เขาต้องการให้ละครเป็นภาษารัสเซียจึงเสนอบริการให้กับนักแสดงจากโปแลนด์

ปีเตอร์ถือว่าโรงละครเป็นวิธีการให้ความรู้แก่สังคม ดังนั้นเขาจึงหวังว่าโรงละครจะกลายเป็นเวทีสำหรับการดำเนินการที่เรียกว่า "คอเมดี้แห่งชัยชนะ" ซึ่งจะอุทิศให้กับชัยชนะทางทหาร อย่างไรก็ตาม โปรเจ็กต์ของเขาไม่ประสบความสำเร็จและไม่ได้รับการยอมรับจากคณะเยอรมัน ด้วยเหตุนี้นักแสดงจึงเล่นในสิ่งที่พวกเขาเล่นได้ ส่วนใหญ่นักแสดงเป็นชาวเยอรมัน แต่ต่อมานักแสดงชาวรัสเซียก็เริ่มปรากฏตัว พวกเขาเริ่มได้รับการสอนพื้นฐาน การแสดงซึ่งทำให้สามารถแสดงละครในภาษารัสเซียในภาษาอนาคตได้

ความคิดริเริ่มของปีเตอร์ไม่ได้รับการยอมรับจากผู้ชม ความสามารถของโรงละครต่ำมาก

สาเหตุของความไม่เป็นที่นิยมของโรงละครนั้นเกี่ยวข้องกับคณะละครต่างประเทศ ละครต่างประเทศ ความโดดเดี่ยวจากชีวิตประจำวัน และจากชีวิตประจำวัน บทละครมีความไดนามิกน้อย วาทศิลป์มาก วาทศาสตร์สูงสามารถอยู่ร่วมกับอารมณ์ขันที่หยาบคายได้ แม้ว่าจะมีการแปลเป็นภาษารัสเซียในโรงละคร แต่ภาษานี้ก็ยังไม่มีชีวิตอยู่เนื่องจากมีคำสลาฟเก่าและคำศัพท์ภาษาเยอรมันมากมาย ผู้ชมไม่เข้าใจการแสดงของนักแสดงดีนักเนื่องจากการแสดงออกทางสีหน้าและศีลธรรมก็ปรับตัวเข้ากับชีวิตชาวรัสเซียได้ไม่ดีเช่นกัน

ในปี 1706 โรงละครตลกปิดตัวลง นักแสดงถูกไล่ออก แม้จะมีความพยายามทั้งหมดของผู้สืบทอด Kunst จาก Furst ก็ตาม ฉากและเครื่องแต่งกายทั้งหมดถูกย้ายไปยังโรงละครโดย Natelya Alekseevna น้องสาวของปีเตอร์ ในปี ค.ศ. 1708 พวกเขาพยายามรื้อวิหารออก และถูกรื้อออกจนถึงปี ค.ศ. 35

นอกจากวิหารแล้ว สิ่งต่อไปนี้จะถูกสร้างขึ้น: Amusement Palace of the boyar Miloslavsky และโรงละครไม้เปิดในหมู่บ้าน Pereobrazhenskoye โรงละครในบ้านของ Lefort

ต่างจากโรงละครของ Alexei Mikhailovich ซึ่งเป็นชนชั้นนำในธรรมชาติ โรงละครในสมัยของ Peter 1 เข้าถึงได้ง่ายกว่าและผู้ชมก็ถูกสร้างขึ้นจากคนในเมือง

อย่างไรก็ตามหลังจากการตายของเปโตร 1 โรงละครก็ไม่พัฒนา

24. โรงละครในบริบทของชีวิตวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 18-19 โรงละครเสิร์ฟเป็นปรากฏการณ์ของวัฒนธรรมรัสเซีย

โรงละครภายใต้จักรพรรดินี ANNA IUAnovNA เนื่องจากแคทเธอรีนที่หนึ่งและปีเตอร์ 2 ไม่แยแสกับศิลปะการแสดงละครพวกเขาจึงไม่ค่อยจัดฉากละครในศาล มีโรงละครโรงเรียนในสถาบันการศึกษาทางศาสนา

Anna Ionovna ชอบการแสดงและการแสดง แอนนาชอบหนังตลกเยอรมันมากซึ่งนักแสดงในตอนท้ายต้องเอาชนะกัน นอกจากคณะละครเยอรมันแล้ว คณะโอเปร่าของอิตาลียังมาที่รัสเซียในเวลานี้ด้วย ในรัชสมัยของพระองค์ ได้มีการดำเนินการสร้างโรงละครถาวรในพระราชวัง ผู้ชมในเวลานี้คือขุนนางเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

โรงละครในสมัยของ Elizabeth Petrovna พร้อมด้วยคณะละครต่างประเทศ จะมีการแสดงละครใน Gentry Cadet Corps ที่นี่เป็นที่ที่โศกนาฏกรรม "CHOREF" ของ Sumorokov ในปี 1749 จะถูกจัดแสดงเป็นครั้งแรก คณะ Codet ได้ฝึกฝนชนชั้นสูงของขุนนางรัสเซีย ที่นี่ศึกษาภาษาต่างประเทศ วรรณกรรม และเตรียมการเต้นรำสำหรับการรับราชการทางการทูตในอนาคต กลุ่มผู้รักวรรณกรรมถูกสร้างขึ้นสำหรับนักเรียน นำโดย Sumorokov ส่วนหนึ่งของงานในแวดวงนี้คือโรงละคร ผลงานละครถือเป็นส่วนหนึ่งของโปรแกรมการศึกษาและถือเป็นความบันเทิงประเภทหนึ่ง ในคณะผู้ดีนี้ ไม่เพียงแต่ลูกหลานของขุนนางเท่านั้นที่ศึกษา แต่ยังรวมถึงผู้คนจากชั้นทางสังคมอื่นด้วย ในสถาบันนี้ รัฐดำเนินภารกิจในการจ่ายเงินเพื่อการศึกษาของผู้มีความสามารถพิเศษ

นอกจากเมืองหลวงแล้ว ในช่วงปลายยุค 40 และต้นยุค 50 ศูนย์กลางความบันเทิงเริ่มกระจุกตัวอยู่ในเมืองต่างจังหวัด สาเหตุของปรากฏการณ์นี้เกี่ยวข้องกับข้อเท็จจริงที่ว่าในช่วงเวลานี้พ่อค้าเริ่มมีฐานะทางการเงิน ความเป็นอิสระ พ่อค้าจะคุ้นเคยกับความสำเร็จของวัฒนธรรมยุโรปตะวันตก อยู่คนเดียว. จากชนชั้นที่เคลื่อนที่ได้มากที่สุดของสังคมรัสเซีย เมืองการค้าของรัสเซียกำลังทำให้ตัวเองมั่งคั่งซึ่งกลายเป็นเงื่อนไขที่สำคัญที่สุดในการจัดระเบียบธุรกิจการแสดงละคร จังหวัดยาโรสลาฟล์กลายเป็นแหล่งเพาะของการแสดงละครดังกล่าว ในยาโรสลาฟล์นั้นจะมีการเปิดโรงละครสมัครเล่นในท้องถิ่นภายใต้การดูแลของฟีโอดอร์ โวลคอฟ ซึ่งต่อมาจะถูกส่งไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2295 และนี่จะกลายเป็นเงื่อนไขในการออกพระราชกฤษฎีกาในการจัดตั้งโรงละครรัสเซียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก . ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งจะรวมคณะยาโรสลาฟต์เป็นนักแสดงด้วย พระราชกฤษฎีกาปรากฏในปี ค.ศ. 1756

โรงละคร Catherine II มองว่าโรงละครเป็น สภาพที่จำเป็นการศึกษาและการตรัสรู้ของประชาชนจะมีคณะราชสำนัก 3 คณะ ได้แก่ คณะละครโอปราห์แห่งอิตาลี คณะบัลเล่ต์ และคณะละครรัสเซีย

โรงละครเริ่มถูกสร้างขึ้นเป็นครั้งแรกเพื่อแสดงละครโดยมีค่าธรรมเนียม เธอจะดำเนินการปฏิรูปหลายประการที่เกี่ยวข้องกับองค์กรอิสระเพื่อความบันเทิง

ในปี ค.ศ. 1757 โอเปร่าของอิตาลีเปิดในมอสโก และในปี ค.ศ. 1758 โรงละครของจักรวรรดิก็เปิดขึ้น การแสดงมอบให้โดย Bolkonsky

โรงละครป้อมปราการ

โรงละครเสิร์ฟเป็นปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก พวกเขาได้รับการพัฒนาพิเศษในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 สาเหตุของการก่อตัวของปรากฏการณ์นี้เกิดจากการที่ขุนนางผู้มั่งคั่งเริ่มกำหนดรูปแบบชีวิตของพวกเขาด้วย ขุนนางเริ่มรวบรวมคณะละครเพื่อรับรองแขกจากข้าราชบริพารของตนโดยได้รับการศึกษาจากยุโรป เนื่องจากคณะละครต่างประเทศมีราคาแพง มอสโกและยาโรสลาฟล์กลายเป็นศูนย์กลางของการพัฒนาโรงละครเสิร์ฟ สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือศพของ Muromskys และ Sheremetyev กาลิทซิน.

โรงละครเสิร์ฟได้รับการพัฒนาให้เป็นปรากฏการณ์สังเคราะห์ ซึ่งเป็นการแสดงละครเพลงที่มีการแทรกโอเปร่าและบัลเล่ต์ การแสดงประเภทนี้จำเป็นต้องได้รับการฝึกฝนเป็นพิเศษสำหรับนักแสดง โดยสอนภาษา มารยาท การออกแบบท่าเต้น คำศัพท์ และทักษะการแสดง ในบรรดานักแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุดของโรงละครเสิร์ฟ: Zhemchugova, Shilokova-Granatova, Izumrudova

สิ่งที่เรียกว่าระบบไม้ถูกจัดแสดงอย่างจริงจัง โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับคณะละครที่มักมีการแสดงบัลเล่ต์

โรงละครเสิร์ฟจะกระตุ้นให้เกิดละครรัสเซีย ศิลปะการชวเลขได้รับการพัฒนาอย่างมากในโรงละครเสิร์ฟ

การปฏิบัติละครของยุโรปตะวันตก (ละคร ครูชาวตะวันตก) มีอิทธิพลอย่างมากต่อโรงละครทาส ในขณะที่การก่อตัวของลักษณะประจำชาติในโรงละครทาสทำให้ปรากฏการณ์นี้มีความสำคัญมากจากมุมมองของโรงละครยุโรปตะวันตก

26. การปฏิรูปโรงละครยุโรปตะวันตกในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ปรากฏการณ์ “ละครใหม่”

ช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 20 ในประวัติศาสตร์วรรณกรรมยุโรปตะวันตกมีความก้าวหน้าทางศิลปะการละครอย่างทรงพลัง ผู้ร่วมสมัยเรียกละครเรื่องนี้ว่า "ละครใหม่" โดยเน้นถึงลักษณะที่รุนแรงของการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้น

“ละครใหม่” เกิดขึ้นในบรรยากาศของลัทธิวิทยาศาสตร์ ซึ่งเกิดจากการพัฒนาอย่างรวดเร็วผิดปกติของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ ปรัชญา และจิตวิทยา และเมื่อเปิดโลกทัศน์ใหม่ของชีวิต ก็ได้ซึมซับจิตวิญญาณของการวิเคราะห์ทางวิทยาศาสตร์ที่มีอำนาจทุกอย่างและแพร่หลายไปทั่ว เธอรับรู้ปรากฏการณ์ทางศิลปะที่แตกต่างกันมากมายและได้รับอิทธิพลจากการเคลื่อนไหวทางอุดมการณ์และโวหารและโรงเรียนวรรณกรรมต่างๆ ตั้งแต่ลัทธิธรรมชาติไปจนถึงสัญลักษณ์ “ละครใหม่” ปรากฏขึ้นในรัชสมัยของละครที่ “สร้างมาอย่างดี” แต่ห่างไกลจากชีวิตและตั้งแต่แรกเริ่มพยายามดึงความสนใจไปยังปัญหาที่ร้อนแรงและเร่งด่วนที่สุด ต้นกำเนิดของละครเรื่องใหม่นี้คืออิบเซ่น, บียอร์นสัน, สตรินด์เบิร์ก, โซล่า, เฮาพท์มันน์, ชอว์, ฮัมซุน, เมเทอร์ลินค์ และนักเขียนที่โดดเด่นคนอื่นๆ ซึ่งแต่ละคนมีส่วนช่วยในการพัฒนาละครเรื่องนี้โดยเฉพาะ จากมุมมองทางประวัติศาสตร์และวรรณกรรม “ละครใหม่” ซึ่งทำหน้าที่เป็นการปรับโครงสร้างใหม่อย่างสิ้นเชิงของละครแห่งศตวรรษที่ 19 ถือเป็นจุดเริ่มต้นของละครแห่งศตวรรษที่ 20

ตัวแทนกล่าวปราศรัย “ละครใหม่” ปัญหาสังคมและปรัชญาที่สำคัญ - พวกเขาพกพา สำเนียง จากละครแอ็คชั่นภายนอกและละครเหตุการณ์ เพื่อเสริมสร้างจิตวิทยา สร้างข้อความย่อยและสัญลักษณ์ที่ไม่ชัดเจน .

ตามที่ Eric Bentley กล่าว "วีรบุรุษของ Ibsen และ Chekhov มีหนึ่งคน คุณสมบัติที่สำคัญ: สิ่งเหล่านี้ล้วนดำรงอยู่ในตัวและแผ่กระจายไปทั่ว ความรู้สึกถึงหายนะบางอย่าง, กว้างกว่าความรู้สึกถึงโชคชะตาส่วนตัว เนื่องจากรอยประทับแห่งความหายนะในละครของพวกเขาเป็นเครื่องหมายของโครงสร้างทางวัฒนธรรมทั้งหมด ทั้งสองจึงทำหน้าที่เป็นนักเขียนบทละครทางสังคมในความหมายที่กว้างที่สุดของแนวคิดนี้ เพาะพันธุ์โดยพวกเขา ตัวละครเป็นไปตามแบบฉบับของสังคมและยุคสมัยของพวกเขา". และยัง ไปที่ศูนย์กลาง ในงานของพวกเขา Chekhov, Ibsen, Strindberg ไม่ได้จัดฉากเหตุการณ์ภัยพิบัติ แต่เป็น ดูเหมือนไม่มีเหตุการณ์สำคัญในชีวิตประจำวัน ด้วยความต้องการที่มองไม่เห็น ด้วยกระบวนการที่เป็นลักษณะเฉพาะของการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องและไม่สามารถย้อนกลับได้ แนวโน้มนี้แสดงออกมาอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในละครของเชคอฟ ซึ่งแทนที่จะพัฒนาการแสดงละครที่สร้างโดยละครเรอเนซองส์ กลับมีการเล่าเรื่องที่ลื่นไหลของชีวิต ไม่มีการขึ้นๆ ลงๆ โดยไม่มีจุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดที่แน่นอน แม้แต่การตายของวีรบุรุษหรือการพยายามฆ่าก็ไม่จำเป็นสำหรับการแก้ไขความขัดแย้งอันน่าทึ่งตั้งแต่นั้นมา เนื้อหาหลักของ “ละครใหม่” ไม่ใช่การกระทำภายนอก แต่เป็นการกระทำที่แปลกประหลาด "โครงเรื่องโคลงสั้น ๆ" การเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณของวีรบุรุษ, ไม่ใช่เหตุการณ์ แต่ สิ่งมีชีวิต ไม่ใช่ความสัมพันธ์ของผู้คนต่อกัน แต่เป็นของพวกเขา ความสัมพันธ์กับความเป็นจริงกับโลก.
ความขัดแย้งภายนอก ใน “ละครเรื่องใหม่” ตัดสินใจไม่ได้ในตอนแรก - โศกนาฏกรรมในชีวิตประจำวันที่เธอค้นพบนั้นไม่มากนัก แรงผลักดันดราม่าพอๆ กับเบื้องหลังของฉากแอ็คชั่นที่เปิดเผยซึ่งกำหนดความน่าสมเพชของงาน แท้จริง คัน น่าทึ่ง การกระทำ กลายเป็น ความขัดแย้งภายใน - นอกจากนี้ยังอาจไม่ได้รับการแก้ไขในการเล่นเนื่องจากสถานการณ์ภายนอกที่ทำให้บุคคลต้องพิชิตถึงแก่ชีวิต ดังนั้นฮีโร่ที่ไม่ได้รับการสนับสนุนในปัจจุบันจึงแสวงหาแนวทางทางศีลธรรมในอดีตที่สวยงามสม่ำเสมอหรือในอนาคตอันสดใสที่ไม่แน่นอน จากนั้นเขาก็จะรู้สึกถึงความสมหวังทางจิตวิญญาณและได้รับความสงบในใจ

เรื่องธรรมดาของ “ละครใหม่”สามารถพิจารณาได้ แนวคิดสัญลักษณ์ ด้วยความช่วยเหลือซึ่งศิลปินพยายามที่จะเสริมสิ่งที่ปรากฎเพื่อเปิดเผยความหมายที่มองไม่เห็นของปรากฏการณ์และราวกับว่าจะดำเนินต่อไปตามความเป็นจริงด้วยคำใบ้ของความหมายอันลึกซึ้งของมัน “ในความปรารถนาที่จะนำสัญลักษณ์มาแทนที่ภาพที่เป็นรูปธรรม ไม่ต้องสงสัยเลยว่าจะเกิดปฏิกิริยาต่อต้านความเป็นโลกและความเป็นจริงตามธรรมชาติ” เข้าใจความหมายกว้างที่สุดของคำบ่อยที่สุด สัญลักษณ์ทำหน้าที่เป็นรูปภาพ , เชื่อมต่อสองโลก : ส่วนตัว ทุกวัน ปัจเจกบุคคลและสากล จักรวาล นิรันดร์ สัญลักษณ์นี้จะกลายเป็น "รหัสแห่งความเป็นจริง" ซึ่งจำเป็นในการ "นำแนวคิดมาสู่รูปแบบที่มองเห็นได้"

ใน “ละครเรื่องใหม่” ความคิดเรื่องการมีอยู่ของผู้แต่งในข้อความของบทละครเปลี่ยนไป และผลที่ตามมาก็คือในรูปลักษณ์ของมัน การจัดระเบียบเรื่องและวัตถุกลายเป็นรากฐานที่สำคัญ การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้พบการแสดงออกในระบบคำพูด ซึ่งไม่ได้มีบทบาทในการให้บริการเพียงอย่างเดียวอีกต่อไป แต่ถูกเรียกร้องให้แสดงอารมณ์ ความรู้สึก เพื่อบ่งบอกถึงบทเพลงของละคร ภูมิหลังทางอารมณ์ เพื่อผสมผสานตัวละครและสถานการณ์ ชีวประวัติของตัวละครและบางครั้งก็เป็นผู้เขียนเอง พวกเขาไม่ได้กล่าวถึงผู้กำกับมากเท่ากับผู้ชมและผู้อ่าน อาจมีการประเมินของผู้เขียนเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น

กำลังเกิดขึ้น เปลี่ยน ใน “ละครเรื่องใหม่” และ ในโครงสร้างของบทสนทนาดราม่า - คำพูดของฮีโร่สูญเสียคุณภาพทั่วไปของการเป็นคำพูด-การกระทำ เติบโตเป็นบทพูดโคลงสั้น ๆ ที่ประกาศมุมมองของฮีโร่ เล่าถึงอดีตของพวกเขา และเปิดเผยความหวังสำหรับอนาคต ในเวลาเดียวกันแนวคิดของคำพูดของฮีโร่แต่ละคนก็กลายเป็นเงื่อนไข บทบาทบนเวทีไม่ได้กำหนดคุณสมบัติส่วนบุคคลของตัวละครความแตกต่างทางสังคมจิตวิทยาหรืออารมณ์ไม่มากนัก แต่เป็นความเป็นสากลความเท่าเทียมกันของตำแหน่งและสภาพจิตใจ ฮีโร่ของ "ละครใหม่" มุ่งมั่นที่จะแสดงความคิดและประสบการณ์ของพวกเขาในบทพูดคนเดียวหลายเรื่อง
แนวคิดเรื่อง "จิตวิทยา" ใน "ละครใหม่" ได้มาซึ่งแนวคิดแบบเดิมๆ อย่างไรก็ตามนี่ไม่ได้หมายถึงการแยกตัวละครออกจากขอบเขตผลประโยชน์ของศิลปินในขบวนการนี้ "ตัวละครและการกระทำในบทละครของ Ibsen ได้รับการประสานกันเป็นอย่างดีจนคำถามเกี่ยวกับลำดับความสำคัญของสิ่งหนึ่งหรืออีกสิ่งหนึ่งสูญเสียความหมายทั้งหมด วีรบุรุษในบทละครของ Ibsen ไม่เพียงมีตัวละครเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโชคชะตาด้วย ตัวละครไม่เคยมีโชคชะตาในตัวเอง คำว่า "โชคชะตา" หมายถึงพลังที่อยู่ภายนอกผู้คนที่ตกใส่พวกเขามาโดยตลอด “พลังที่เมื่ออยู่ภายนอกเรา นำมาซึ่งความยุติธรรม” หรือในทางกลับกัน คือความอยุติธรรม

Chekhov และ Ibsen พัฒนา " วิธีการแสดงตัวละครแบบใหม่ ซึ่งสามารถเรียกได้ว่า” ชีวประวัติ "ตอนนี้ตัวละครได้รับเรื่องราวชีวิตและหากนักเขียนบทละครไม่สามารถนำเสนอเป็นบทเดียวได้เขาจะให้ข้อมูลเกี่ยวกับชีวิตในอดีตของตัวละครเป็นชิ้น ๆ ที่นี่และที่นั่นเพื่อให้ผู้อ่านหรือผู้ชมสามารถนำมารวมกันในภายหลังได้ นี้ " ชีวประวัติ ลักษณะของตัวละครควบคู่ไปกับการแนะนำบทละครภายใต้อิทธิพลของนวนิยายที่มีรายละเอียดสมจริงที่กระชับ ดูเหมือนจะแสดงถึงลักษณะพิเศษที่สุดของ "ละครใหม่" ในแง่ของการสร้างตัวละคร ความสูญเสียที่เกิดขึ้นจากการแสดงละคร ตัวละครถูกสร้างขึ้นมาโดยการสร้างพลวัตของชีวิตอย่างเป็นรูปธรรม”

เทรนด์หลักของ “ละครใหม่” ก็คือ มุ่งมั่นเพื่อให้ได้ภาพที่น่าเชื่อถือ การแสดงความจริง โลกภายในลักษณะทางสังคมและชีวิตประจำวันของตัวละครและสิ่งแวดล้อม การระบายสีที่แน่นอนของสถานที่และเวลาของการกระทำคือคุณลักษณะเฉพาะและเป็นเงื่อนไขที่สำคัญสำหรับการแสดงบนเวที

“ละครใหม่” กระตุ้นการเปิด หลักการใหม่ของศิลปะการแสดง ตามความต้องการของการจำลองสิ่งที่เกิดขึ้นตามความเป็นจริงและถูกต้องตามหลักศิลปะ ต้องขอบคุณ "ละครใหม่" และการแสดงละครเวทีในรูปแบบสุนทรียศาสตร์ แนวคิดของ “กำแพงที่สี่” "เมื่อนักแสดงอยู่บนเวทีราวกับไม่คำนึงถึงการปรากฏตัวของผู้ชมตามคำกล่าวของ K.S. Stanislavsky“ ต้องหยุดการแสดงและเริ่มใช้ชีวิตในละครกลายเป็นตัวเอก” และผู้ชมในทางกลับกันที่เชื่อในภาพลวงตาของความจริงนี้รับชมชีวิตที่จดจำได้ง่ายของตัวละครในละครด้วยความตื่นเต้น

“ละครใหม่” พัฒนาขึ้น ประเภทของ “ละครแห่งความคิด” ทางสังคม จิตวิทยา และทางปัญญา ซึ่งกลายเป็นผลงานที่ไม่ธรรมดาในละครแห่งศตวรรษที่ 20 หากไม่มี "ละครใหม่" ก็เป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงการเกิดขึ้นของละครแนวแสดงออกหรืออัตถิภาวนิยม หรือโรงละครมหากาพย์ของ Brecht หรือ "ต่อต้านละคร" ของฝรั่งเศส แม้ว่าเวลากว่าศตวรรษจะแยกเราออกจากการกำเนิดของ "ละครเรื่องใหม่" แต่ก็ยังไม่สูญเสียความเกี่ยวข้อง ความลึกซึ้งที่พิเศษ ความแปลกใหม่ทางศิลปะ และความสดใหม่

27. การปฏิรูปโรงละครรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20

ในตอนต้นของศตวรรษ โรงละครรัสเซียกำลังประสบกับการปรับปรุงใหม่

เหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในชีวิตการแสดงละครของประเทศคือ เปิดโรงละครศิลปะในมอสโก (พ.ศ. 2441) ก่อตั้งโดย K.S. Stanislavsky และ V.N. เนมิโรวิช-ดันเชนโก้ ศิลปะมอสโก โรงละครดำเนินการปฏิรูปที่ครอบคลุมทุกด้านของชีวิตการแสดงละคร - ละคร การกำกับ การแสดง การจัดระเบียบชีวิตการแสดงละคร นี่เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ที่มีการสร้างระเบียบวิธีสำหรับกระบวนการสร้างสรรค์ แกนกลางของคณะประกอบด้วยนักเรียนแผนกละครของโรงเรียนดนตรีและการละครของ Moscow Philharmonic Society (O. L. Knipper, I. M. Moskvin, V. E. Meyerhold) ซึ่งสอนการแสดงโดย V. I. Nemirovich-Danchenko และผู้เข้าร่วมในสมัครเล่น การแสดงนำโดย K. S. Stanislavsky“ สมาคมศิลปะและวรรณกรรม” (M. P. Lilina, M. F. Andreeva, V. V. Luzhsky, A. R. Artyom) ต่อมา V.I. Kachalov และ L.M. Leonidov เข้าร่วมคณะ

การแสดงครั้งแรกโรงละครศิลปะมอสโกกลายเป็น " ซาร์ ฟีโอดอร์ อิโออันโนวิช" จากบทละครของ A.K. Tolstoy- อย่างไรก็ตามการกำเนิดที่แท้จริงของโรงละครแห่งใหม่มีความเกี่ยวข้องกับละครของ A.P. Chekhov และ M. Gorky บรรยากาศอันละเอียดอ่อนของบทเพลงของเชคอฟ อารมณ์ขันที่อ่อนโยน ความเศร้าโศก และความหวังพบได้ในการแสดง "The Seagull" (1898), "Uncle Vanya" (1899), "Three Sisters" (1901), "The Cherry Orchard" และ "Ivanov ” (ทั้งในปี 1904 ) เมื่อเข้าใจความจริงของชีวิตและบทกวีแล้ว แก่นแท้ของละครของเชคอฟ Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko ได้พบลักษณะพิเศษของการประหารชีวิต ค้นพบเทคนิคใหม่ในการเปิดเผยโลกแห่งจิตวิญญาณ คนทันสมัย- ในปี 1902 Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko จัดแสดงละครของ M. Gorky เรื่อง The Bourgeois และ At the Lower Depths ซึ่งเต็มไปด้วยลางสังหรณ์ของเหตุการณ์การปฏิวัติที่กำลังจะเกิดขึ้น ในขณะที่ทำงานของ Chekhov และ Gorky เขาได้ก่อตั้งขึ้น นักแสดงประเภทใหม่ ถ่ายทอดลักษณะของจิตวิทยาของพระเอกอย่างละเอียด หลักการกำกับได้เกิดขึ้นแล้ว , กำลังมองหาวงดนตรีการแสดง, การสร้างอารมณ์, บรรยากาศทั่วไปของการกระทำ, โซลูชั่นการตกแต่ง (ศิลปิน V. A. Simov) ได้มีการพัฒนาวิธีการถ่ายทอดสิ่งที่เรียกว่าข้อความย่อยที่ซ่อนอยู่ในคำศัพท์ในชีวิตประจำวัน (เนื้อหาภายใน) เป็นครั้งแรกในโลกที่โรงละครศิลปะมอสโกได้ยกระดับศิลปะการแสดง ความสำคัญของผู้กำกับ - ล่ามที่สร้างสรรค์และอุดมการณ์ของบทละคร

ในช่วงหลายปีแห่งความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติในปี 1905-07 และการแพร่กระจายของการเคลื่อนไหวที่เสื่อมโทรมต่างๆ โรงละครศิลปะมอสโกเริ่มสนใจการค้นหาในสาขาโรงละครสัญลักษณ์ (“ The Life of a Man” โดย Andreev และ “ The Drama” ของชีวิต” โดย Hamsun, 1907) หลังจากนั้น โรงละครหันไปใช้ละครคลาสสิก แต่จัดแสดงในลักษณะการกำกับที่เป็นนวัตกรรมใหม่: "Woe from Wit" โดย Griboyedov (1906), "The Inspector General" โดย Gogol (1908), "A Month in the Country" โดย Turgenev (1909), “Simplicity is Enough for Every Wise Man” Ostrovsky (1910), “The Brothers Karamazov” หลังจาก Dostoevsky (1910), “Hamlet” โดย Shakespeare, “A Reluctant Marriage” และ “The Imaginary Invalid” โดย Moliere (ทั้งสอง 2456)

28. นวัตกรรมละครของ A.P. Chekhov และความสำคัญระดับโลก

ละครของเชคอฟแพร่สะพัด บรรยากาศแห่งความทุกข์ทั่วไป - ในนั้น ไม่มีคนที่มีความสุข - ตามกฎแล้วฮีโร่ของพวกเขาโชคไม่ดีในเรื่องใหญ่หรือเล็ก: พวกเขาทั้งหมดกลายเป็นผู้แพ้ในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่น ตัวอย่างเช่นใน "The Seagull" มีเรื่องราวห้าเรื่องของความรักที่ไม่ประสบความสำเร็จใน "The Cherry Orchard" Epikhodov ที่มีความโชคร้ายของเขาคือการแสดงตัวตนของความอึดอัดโดยทั่วไปของชีวิตที่ฮีโร่ทุกคนต้องทนทุกข์ทรมาน

ความเจ็บป่วยทั่วไปมีความซับซ้อนและทวีความรุนแรงมากขึ้น ความรู้สึกเหงาโดยทั่วไป - ต้นเฟอร์หูหนวกใน The Cherry Orchard ในแง่นี้เป็นบุคคลเชิงสัญลักษณ์ ปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมเป็นครั้งแรกในชุดเครื่องแบบเก่าๆ และสวมหมวกทรงสูง เขาเดินข้ามเวทีคุยกับตัวเอง แต่ก็ไม่ได้ยินแม้แต่คำเดียว Lyubov Andreevna บอกเขาว่า: "ฉันดีใจมากที่คุณยังมีชีวิตอยู่" และ Firs ตอบกลับ: "วันก่อนวานนี้" โดยพื้นฐานแล้วบทสนทนานี้เป็นรูปแบบการสื่อสารคร่าวๆ ระหว่างฮีโร่ทุกคนในละครของเชคอฟ Dunyasha ใน "The Cherry Orchard" แบ่งปันกับ Anya ซึ่งมาจากปารีสซึ่งเป็นงานที่สนุกสนาน: "เสมียน Epikhodov เสนอให้ฉันตามนักบุญ" ย่าตอบว่า: "ฉันทำกิ๊บติดผมทั้งหมดหายไป" ในละครของเชคอฟครองราชย์ บรรยากาศพิเศษของอาการหูหนวก - หูหนวกทางจิตใจ - ผู้คนเอาแต่ใจตัวเองมากเกินไป กิจการของตัวเองปัญหาและความล้มเหลวของตนเองจึงฟังกันไม่ดีนัก การสื่อสารระหว่างพวกเขาแทบจะไม่กลายเป็นบทสนทนา แม้จะมีความสนใจและความปรารถนาดีร่วมกัน แต่พวกเขาไม่สามารถผ่านกันและกันได้ เนื่องจากพวกเขาส่วนใหญ่ "พูดคุยกับตัวเองและเพื่อตนเอง"

เชคอฟ ความรู้สึกพิเศษ ละครแห่งชีวิต - ความชั่วร้ายในบทละครของเขาดูเหมือนถูกบดขยี้ แทรกซึมเข้ามาในชีวิตประจำวัน ละลายหายไปในชีวิตประจำวัน ดังนั้นในเชคอฟจึงเป็นเรื่องยากมากที่จะค้นหาผู้กระทำผิดที่ชัดเจนซึ่งเป็นแหล่งที่มาของความล้มเหลวของมนุษย์โดยเฉพาะ ไม่มีผู้ถือความชั่วร้ายทางสังคมอย่างตรงไปตรงมาและตรงไปตรงมาในละครของเขา - มีความรู้สึกว่า ในความสัมพันธ์ที่น่าอึดอัดใจ ระหว่างบุคคลนั้นมีความผิดในระดับหนึ่งหรืออีกระดับหนึ่ง ฮีโร่แต่ละคนเป็นรายบุคคลและทั้งหมดรวมกัน - ซึ่งหมายความว่าความชั่วร้ายถูกซ่อนอยู่ในรากฐานของชีวิตทางสังคมในโครงสร้างของตัวเอง ชีวิตในรูปแบบที่เป็นอยู่ตอนนี้ดูเหมือนจะยกเลิกตัวเอง ทอดเงาแห่งความหายนะและความต่ำต้อยมาสู่ทุกคน ดังนั้นความขัดแย้งในบทละครของ Chekhov จึงถูกปิดลง ไม่มา ได้รับการยอมรับในละครคลาสสิก การแบ่งฮีโร่ที่ชัดเจนออกเป็นเชิงบวกและเชิงลบ .

คุณสมบัติของบทกวีของ "ละครใหม่"ก่อนอื่นเชคอฟ ทำลาย "โดยการกระทำ" งานสำคัญที่จัดโครงเรื่องความสามัคคีของละครคลาสสิก อย่างไรก็ตาม ละครเรื่องนี้ไม่ได้แตกสลาย แต่ถูกประกอบขึ้นบนพื้นฐานของความสามัคคีภายในที่แตกต่างออกไป ชะตากรรมของฮีโร่ด้วยความแตกต่างทั้งหมดด้วยความเป็นอิสระของโครงเรื่อง "สัมผัส" สะท้อนซึ่งกันและกันและรวมเข้ากับ "เสียงออเคสตรา" ทั่วไป จากชีวิตที่แตกต่างกันและการพัฒนาคู่ขนานมากมาย จากเสียงมากมายของฮีโร่ที่แตกต่างกัน "ชะตากรรมของการร้องประสานเสียง" หนึ่งเดียวเติบโตขึ้น และอารมณ์ร่วมก็ก่อตัวขึ้นสำหรับทุกคน นี่คือเหตุผลที่พวกเขามักพูดถึง "พหุเสียง" ของละครของเชคอฟและถึงกับเรียกพวกเขาว่า "ความทรงจำทางสังคม" โดยวาดภาพเปรียบเทียบกับรูปแบบดนตรีที่มีธีมดนตรีและท่วงทำนองดนตรีสองถึงสี่เสียงและพัฒนาไปพร้อม ๆ กัน

ด้วยการหายตัวไปของการกระทำที่ตัดขวางในบทละครของเชคอฟ ตัวละครฮีโร่ตัวเดียวสุดคลาสสิกก็ถูกกำจัดออกไปเช่นกัน ความเข้มข้นของพล็อตเรื่องดราม่าเกี่ยวกับตัวละครหลักและตัวละครนำ การแบ่งฮีโร่ตามปกติออกเป็นเชิงบวกและเชิงลบหลักและรองถูกทำลายแต่ละคนเป็นผู้นำในส่วนของตัวเองและทั้งหมดเช่นเดียวกับในคณะนักร้องประสานเสียงที่ไม่มีนักร้องเดี่ยวเกิดในความสอดคล้องของเสียงและเสียงก้องที่เท่าเทียมกันมากมาย

เชคอฟพบกับการเปิดเผยตัวละครมนุษย์ครั้งใหม่ในบทละครของเขา ในละครคลาสสิกพระเอกเปิดเผยตัวเองในการกระทำและการกระทำที่มีเป้าหมายเพื่อให้บรรลุเป้าหมาย ดังนั้นละครคลาสสิกจึงถูกบังคับให้เร่งรีบอยู่เสมอตามที่ Belinsky กล่าว และการชะลอการแสดงทำให้เกิดความคลุมเครือ การขาดความชัดเจนของตัวละคร และกลายเป็นข้อเท็จจริงที่ต่อต้านศิลปะ

Chekhov เปิดโอกาสใหม่ในการวาดภาพตัวละครในละคร มันไม่ได้ถูกเปิดเผยในการต่อสู้เพื่อบรรลุเป้าหมาย แต่เป็นการประสบกับความขัดแย้งของการดำรงอยู่ ความน่าสมเพชของการกระทำถูกแทนที่ด้วยความน่าสมเพชของความคิด ชาวเชคอเวีย “ตามนั้น